El Wrong Side

2012-01-29T16:10:00.001-05:00

Presentan los libros ganadores del Premio Casa 2011

Como es habitual, un día antes del anuncio de los ganadores del Premio Casa, se presentan los libros que triunfaron en la edición anterior. Este miércoles 25 se realizó, entonces, el lanzamiento de los títulos que se impusieron en el 2011

por Jennifer Veliz Gutiérrez (Estudiante de Periodismo)

La penúltima jornada de la edición 53 del Premio Literario Casa de las Américas fungió como escenario para la presentación de las obras vencedoras en el año recién concluido. En la entrega del 2011 se concursó en cinco géneros, de los cuales quedó desierto el de Ensayo artístico-literario.

Con la conducción por parte de Roberto Zurbano, director del Fondo Editorial Casa, la entrega comenzó por los Premios Especiales. El primero de ellos, la obra Espejos. Una historia casi universal, del escritor uruguayo Eduardo Galeano, había sido presentada el pasado martes 17 por el propio autor. Galeano estuvo encargado además de pronunciar las palabras inaugurales de esta edición.

El Premio de Poesía José Lezama Lima le fue otorgado a Kamau Brathwaite, autor de una antología poética nacida en México y que fue presentada esta tarde por su editora, Ingry González, quien describió la poesía del barbadense como un viaje más allá del esencial “registro de una experiencia”, sino como una “revalorización de símbolos, mitos y ritmos caribeños”.

En su producción poética se vislumbra un estudio de la historia oficial y alternativa, pues según el autor “un artista caribeño no puede comenzar con una teoría, con un modelo; siempre debe partir de su relación con lo que está ahí”. De esta frase se extrajo la sinopsis de la creación artística de Brathwaite en cuanto a su énfasis en las tradiciones, el pensamiento, el arte y la cultura del espacio antillano.

En palabras de la editora, “la antología entrega una densa y variada producción poética que a través de una gradación temática refiere la experiencia del negro”. Al leer Los danzares del tiempo se descubren matrices históricas, artísticas y bíblicas de origen europeo, “que convierten su obra poética en una de las muestras más acabadas del sincretismo cultural”, apuntó Ingry González; al tiempo que comentaba acerca de la importancia de la música en el estilo de escritura poética de Brathwaite.

En la cita no faltó el merecido reconocimiento a la traducción de la obra pues, según la editora, se ajustó a la métrica original y al contenido de los poemas a pesar de la complejidad de los textos. Incitó a la lectura, alegando que la edición bilingüe de la obra resulta de ayuda al lector para introducirse a fondo en el texto original, y disfrutar al unísono de “los aciertos de la traducción”.

Por otra parte, el libro ganador del Premio de Ensayo Ezequiel Martínez Estrada ―Amazonía. El río tiene voces, de la escritora chilena Ana Pizarro― fue puesto al descubierto por la editora cubana Clara Hernández.

“Esta obra despunta por lo sugerente que resulta desde todos los puntos de vista posibles” opinó la presentadora, quien en un primer momento, hizo alusión a la autora como especialista en estudios culturales y latinoamericanos, lo que de alguna manera le permitió construir este libro desde su experiencia personal. La editora aseveró además que gracias a su investigación de todo el material literario producido entre los siglos XVI y XIX, la escritora pudo encausar su recorrido a través del río Amazonas.

El libro cuenta con capítulos reveladores de las experiencias y hallazgos de la autora, pues poco se conoce que la Amazonía tiene espacios devenidos detonantes de la modernidad en toda la región.

La editora certificó que esta producción va más allá de lo que es un libro de ensayos: “puede ser visto como una crónica, un diálogo, un factor económico, humano, físico, ambiental, en una época crucial para la humanidad”. Además, convidó a su lectura con el convencimiento de que “tiene mucho que aportar a todas las personas que de alguna manera están interesadas en la cultura latinoamericana”.

Un texto había quedado por presentar de entre los ganadores del Premio en el año 2010: En víspera de los días sabáticos, de Jennifer Rahim, galardonado con el Premio de Literatura Caribeña en Inglés, tuvo entonces en esta jornada su primer lanzamiento.

Su editor, Carlos Bernal, se refirió a la escritora como “esta trinitaria que tiene la virtud de fundamentar en su poesía la difícil convivencia de múltiples culturas y razas”, al tiempo que describió a la obra como el florecimiento de “nuestro verdadero yo, taponeado por los días y las noches de trabajo agotador; necesario trabajo que aún tiene en el hombre sabor a condena y enajenación”.

A través del término “Sabbat”, según Bernal, Jennifer Rahim construyó un puente entre todas las matrices culturales que la han condicionado, ya sea en el hogar, en la academia, en el dogma y la ciencia, en la religión o el mercado. A la artista le inspira la imagen del Caribe, de Trinidad y Tobago, “donde lo cósmico no es principio de identidad absoluta, sino flujo incesante: un caldero vibrante como tambor”.

La certeza de la frase de Bernal dio paso a la presentación de los cuatro libros merecedores en el año 2011 del Premio Literario Casa de las Américas en sus respectivas categorías, donde el argentino Carlos Enrique Bischoff conquistó el galardón en Testimonio por la obra Su paso, editada por la cubana Ana María Caballero.

El autor de este libro tuvo como experiencia vital el haber pasado siete años en las cárceles argentinas al igual que el testimoniante, de ahí el acercamiento entre la producción premiada y su creador, relató Caballero. En Su paso, se ahonda en el día a día de los presos políticos, y la narración opera como homenaje a los que sobrevivieron a la última dictadura argentina y “a todos los que no lo lograron”, añadió su editora.

En la categoría de Literatura brasileña, específicamente en el género de ficción, la novela finalista fue la de Nelson de Oliveira, Polvo: demonios y maldiciones, traducida justamente por uno de los miembros del jurado en aquella ocasión, el poeta y traductor cubano Ricardo Ernesto Pérez.

Con una exhortación a “redimensionar lo latinoamericano a partir de lo universal y los valores del arte y de los signos de este tiempo”, el presentador posicionó a la obra de Oliveira dentro de ese debate contemporáneo, pues esta es “una novela cuyo primer gran valor estriba en la relectura de lo brasileño”. En su obra el relato lineal desaparece, pues se alimenta del mundo cinematográfico, del performance. El traductor clasificó el libro como un relato que nos va atrapando y conmoviendo en su profundo lirismo, que nos puede conducir por un nuevo sendero de la literatura brasileña.

La oportunidad de compartir en vivo con dos de los autores de las obras premiadas, enriqueció la tarde pues desde sus propios hacedores se pudo explorar el mundo interior de las producciones.

“Esta obra, al menos, es diferente a las otras”, expresó Gabriel Santander, autor de La venganza de las chachas. El mexicano comentó acerca de la realidad que se plasma en el texto, construido a partir de un mundo de rencores, vilezas, estupideces y ternura; matizado además con dosis de humor. Una de las enseñanzas que le dejó la escritura de la obra fue la creencia en que detrás del humor hay una plataforma moral muy interesante y profunda que alude, entre otros temas, a la soledad, la incapacidad y la orfandad.

Aunque en la narración aparecen muchos clichés y lugares comunes, Santander aseguró que en su opinión esto no tiene un carácter nocivo en la literatura pues lo importante es ―como está presente en el libro― “la distancia que uno toma de ello”. El autor elude la ambigüedad del término “chacha”, como el referido peyorativamente a las sirvientas. En su intervención en la Sala Che Guevara, expresó su satisfacción con el Premio.

Quizás uno de los libros más esperados, en opinión de Zurbano, fue el de un autor “que está en la cola de la buena suerte”: el holguinero Emerio Medina, autor de La bota sobre el toro muerto, quien confesó que el cuento ha sido su arma y su espada en estos últimos tiempos. El libro recibió el Premio en esa categoría, también en la edición 52 del certamen.

El toro aparece en la narración como un símbolo, entre otro de los tantos que figuran en la idiosincrasia del cubano. Cuenta con trece narraciones que transitan por el código de la muerte, esta entendida como el fin de algo, de una relación; la muerte física o de un sistema social, declaró el escritor.

Al libro lo tejen cuentos rusos, la contemporaneidad cubana, las relaciones entre cubanos y extranjeros, así como sus relaciones personales, la temática del sexo, entre otros temas construidos desde la perspectiva de un autor que reside alejado de los centros urbanos.

Durante la presentación de los libros, Zurbano destacó la labor de los diseñadores Pepe Menéndez, por la ilustración de los Premios Especiales, y Ricardo Rafael Villar, por su trabajo con algunas gráficas pertenecientes a la colección patrimonial de la Casa de las Américas.

En la cita, fue presentado también el Catálogo del Fondo Editorial Casa de las Américas correspondiente a los 50 años transcurridos entre 1960 y 2009. Para su director, se trata de una producción lograda gracias a la colaboración del Fondo Andaluz de Municipios para la Solidaridad Internacional, una edición que “servirá mucho para el trabajo y el conocimiento de la propia Casa”, aseguró Zurbano.

Fuente: La Ventana

2012-01-08T15:18:00.002-05:00

Stone Mountain

“Let the freedom ring from Stone Mountain…”
-I Have a Dream.-

Martin L. King Junior

Sobre las piedras de aquella ciudad amurallada por el eterno frío de sus pobladores, nadie se atrevió a hablar antes, porque temían ser degollados por las fatídicas procesiones de unicornios arios, ó tal vez peor; convertidos en gárgolas suspendidas de los árboles.

Castigo contra los detractores. El miedo, al igual que el silencio, llega un momento que no resiste la fuerza impredecible de soñar, con poder volar, a pesar de llevar cadenas.

Sus muros comenzaron a sufrir de grietas por el extremo en donde la inocencia de los luceros penetraba, las manos dejaron de criminalizar los colores diferentes, y aquellos labios, que antes glorificaron el desprecio como símbolo de orgullo étnico, fueron desapareciendo con la despigmentación de las rocas.

En aquella ciudad amurallada nadie lloró cuando las tres figuras esculpidas sobre la superficie de granito, y con ellas aquel viejo símbolo, erigido como un altar de sacrificios para la exaltación del becerro del odio, se fueron convirtiendo en cenizas de “glorias pasadas”.

Daniel Montoly

2011-12-21T14:22:00.002-05:00

Nicanor Parra, un Cervantes tardío para un antipoeta

El chileno Nicanor Parra es un grande de a literatura latinoamericana desde hace décadas y el Premio Cervantes ha tardado en llegar. A los 97 años lo ha recibido

por Leonidas Morales

Algunos aspectos de la poesía del chileno Nicanor Parra Sandoval (n. 1914 en San Fabián de Alico, cerca de Chillán) no son ajenos al medio cultural de su infancia y adolescencia. Fuera de cortos períodos vividos en Santiago, Lautaro y Ancud, los años fundamentales tienen como escenario los suburbios de la ciudad de Chillán y lugares próximos, zona, en el centro del país, de donde eran sus padres. El padre fue profesor primario y músico; la madre, de origen campesino, tenía también aficiones musicales y solía cantar canciones del folclore.

Junto a numerosos hermanos, Violeta Parra entre ellos, constituían una familia de clase media provinciana, sometida a la incertidumbre de una crónica precariedad económica y de continuos cambios de residencia, causados por los traslados, cesantías (en la época de la dictadura del general Carlos Ibáñez) y la personalidad desaprensiva y errática del padre, un bohemio incurable.

Para los hijos, la certeza era la madre: poder de convergencia, cohesión y estabilidad desde el punto de vista del orden de las relaciones humanas. Si bien eran receptivos a los mensajes de la cultura popular urbana, transmitidos por la radio, la victrola, los circos ambulantes, estaban regidos por patrones formativos de los que era portadora directa la madre, es decir, los de la cultura tradicional, solidaria de una conciencia no agredida todavía por los agentes de la alienación moderna, y abiertos a la vitalidad del lenguaje campesino, a su sabiduría, a sus variadas formas poéticas (letras de canciones, refranes, juegos infantiles).

Parra explotará, dentro del contexto de su poesía posterior, la vitalidad y las posibilidades expresivas del lenguaje de la infancia. Y a esa conciencia determinada por los valores y concepciones de la cultura tradicional, esencialmente integradora, habría que verla como un presupuesto biográfico de la intensidad angustiosa con que percibirá, cuando viaje por primera vez a Estados Unidos e Inglaterra, la condición fragmentaria, disolvente de todo sentimiento de unidad, de la vida y la cultura cotidianas en los espacios urbanos del mundo contemporáneo.

En 1932 Parra llega a Santiago desde Chillán y hace el último año de la Enseñanza Media en el Internado Barros Arana. En el mismo Internado estudian también Jorge Millas, Luis Oyarzún y Carlos Pedraza. Millas y Oyarzún serán con el tiempo notables escritores, y Pedraza, un pintor importante. Con ellos forma un grupo generacional de amistad y activa recepción cultural.

En 1933, Parra ingresa al Instituto Pedagógico de la Universidad de Chile e inicia estudios en matemática y física, pero la vinculación con el Internado no se interrumpe, porque tanto él como Millas y Pedraza contribuyen a financiar sus estudios universitarios con un cargo de inspector en el Internado. En 1935 comienzan a publicar la Revista Nueva, de circulación entre inspectores, profesores y alumnos del Internado.

El universo de estímulos literarios y artísticos de Parra, que en Chillán había sido menor, más bien escolar, y en poesía reducido a los modernistas chilenos de principios de siglo, experimenta a partir de 1932 una expansión más o menos explosiva. Inicia así el proceso de asimilación del complejo de signos, tendencias y elaboraciones de la cultura literaria y artística contemporánea. La Antología de poesía chilena nueva (1935), de Eduardo Anguita y Volodia Teitelboim, lo pone en contacto con los grandes nombres de la poesía chilena actual ―Vicente Huidobro, Pablo de Rokha, Pablo Neruda; Rosamel del Valle, Humberto Díaz―. Otra antología, la de Souvirón, le ofrece un panorama de la poesía española del siglo XX.

Lee en traducción poemas del surrealismo francés, e intuye el espíritu rupturista, de rebeldía e innovación de las vanguardias europeas a través de la poesía en lengua castellana que lo asume, y de las expresiones artísticas y literarias que en la década del 30 lo reasumen en Chile (por ejemplo, en Santiago, la exposición dadaísta del Grupo Septiembre, la actividad de creación y difusión en torno a la revista Mandrágora).

A medida que Parra explora este horizonte cultural, reacciona con simpatía o desinterés ante determinados lenguajes, estilos, problemáticas, tonalidades. Procura orientarse entre los estímulos y busca, sin mucha conciencia todavía, unas coordenadas que le permitan fijar las condiciones literarias de su propia producción. Los 29 poemas de su primer libro, Cancionero sin nombre, de 1937, representan el sistema poético al que había arribado.

Algunos de sus rasgos más visibles: la incorporación de la métrica del romance, el desarrollo narrativo y la tendencia del que habla a realizar acciones a la manera de un personaje, el uso constante de la personificación y la metáfora con términos referidos a la naturaleza (la del campo chileno) o al mundo religioso (santos, ángeles, sacerdotes), una atmósfera onírica con escasa densidad dramática y, dentro de ella, objetos y espacios manejados como figuras de un juego poético no tocado aún por las asperezas del tiempo histórico. Pero este sistema, al que, descontando la métrica, pertenece asimismo el cuento "Gato en el camino", publicado en 1935 en la Revista Nueva, tiene todas las marcas de los que no han sido construidos sobre la base de premisas originales de lenguaje y de visión, sino que se han generado por inducción de un sistema previo que actúa como modelo absorbente. El modelo había sido el Romancero gitano de García Lorca.

En la sintonía de Parra con estos romances seguramente operaba una predisposición, por su afinidad con la cultura tradicional de donde provenía. Pero lo que importa es el escenario de la recepción poética en Chile hacia fines de la década del 30 y en la del 40. Hay entonces grupos de lectores y críticos con ideas dispares sobre el tipo de poesía que deberá suceder a la de los poetas anteriores (Huidobro, De Rokha, Neruda).

En uno de esos grupos se cuestiona el hermetismo de la poesía precedente, y se comparte la expectativa de otra poesía: una de claridad en las formas y contenidos, con un lenguaje y una temática capaces de involucrar al lector de un modo más directo y más amplio. Tomás Lago, un crítico literario e intérprete de esta tendencia, la traducía en 1942 como una petición de "luz en la poesía". El libro de Parra, que sintomáticamente había ganado el Premio Municipal de Poesía, y la producción de otros poetas, como Oscar Castro, que también se acogieron al romance y al influjo de Federico García Lorca, al parecer respondían a esa expectativa.

El nuevo sistema poético que Parra logra armar a partir de los últimos años de la década del 40, el de los antipoemas, y la recepción intensa de que es objeto en las décadas siguientes, confirman la existencia de expectativas de cambio en la poesía chilena, articuladas a la configuración de una nueva fase en el desarrollo histórico y cultural de la vida cotidiana, en Chile y Latinoamérica. Pero a la vez hacen evidente que sus características específicas no coincidían del todo con las enunciadas por Tomás Lago y que tampoco el sistema poético del Cancionero sin nombre era el llamado a canalizarlas.

En este libro, sin embargo, hay elementos, algunos ajenos a los romances de García Lorca, por ejemplo el humor, el desparpajo, la intención lúdica, y otros como el curso narrativo del poema, el perfil de un personaje, que si bien aquí lucen gratuitos, carentes de recursos que les confieran eficacia desde el punto de vista de una iluminación de lo real, en el sistema posterior serán reformulados y se volverán tremendamente certeros como instrumentos de una conciencia crítica de la vida y la cultura cotidianas.

Es comprensible en cierta forma lo que ofrece el primer libro de Parra: el autor tiene 23 años y no ha conocido aún las dimensiones exactas del desconcierto moral, psicológico y social de la vida cotidiana moderna en las grandes ciudades. Cuando acceda a ese conocimiento y a una conciencia de los verdaderos términos en que debe plantearse el proyecto de su poesía, se modificarán por completo la visión, los materiales lingüísticos y la estructura del poema.

Después de 1937, ya titulado en la Universidad de Chile y enseñando en liceos, Parra se mantiene fiel a la idea de una poesía, según sus palabras, "al alcance del grueso público", pero abandona el metaforismo del Cancionero sin nombre y entra en un período de exploración, ensayando, como ha sido su método de siempre, en direcciones diversas. En una de ellas, con un verso más escueto, liberado del prurito metaforizante, y temas de una memoria biográfica de la provincia, sigue utilizando esquemas métricos más o menos regulares. En otra, recrea el espíritu y las modalidades estróficas de géneros de la poesía folclórica chilena, una dirección en la que se inscribe La cueca larga, libro publicado en 1958.

Pero de todas las direcciones ensayadas, la más afortunada fue la que condujo a los antipoemas. En 1943 Parra viaja a Estados Unidos y realiza estudios de postgrado en física en Brown University. Regresa en 1945 y se incorpora a la Universidad de Chile como profesor. En 1949 parte a Inglaterra para asistir a cursos de cosmología en Oxford. La estancia en ese país se prolonga hasta 1952. Antes de viajar a Estados Unidos había leído a Walt Whitman. El poeta norteamericano causó en él un entusiasmo tal vez comparable al despertado por García Lorca, aunque con consecuencias muy distintas. Desde luego lo puso en la perspectiva del verso libre. Pero aun cuando le seducía en Whitman el lenguaje "relajado", no ocurría lo mismo con la grandilocuencia del verso, extraña a la poesía de Parra. Ni tampoco con la épica ególatra del personaje, que no se avenía con sus inclinaciones.

En 1943, en Estados Unidos, escribe, bajo la influencia de Whitman y también dentro de las contradicciones señaladas, un conjunto de veinte poemas con el título de Ejercicios retóricos. Publicados en Chile once años después (revista Extremo Sur, Nº 1, 1954), ilustran una etapa preliminar, de transición en el camino hacia los antipoemas. El verso libre de estos textos moviliza en efecto un lenguaje común, llano, pero uniforme, sin la variedad, los contrastes y la dialéctica que conquistará con el antipoema. Es un verso que si bien, como campo interno de referencia, dispone ya del mundo urbano, aparece sin embargo trabado, igual que el personaje, por el subjetivismo de una emotividad que le impide asumir en plenitud la función crítica inherente al antipoema.

Son fundamentales, en el proceso de los antipoemas, los años de Estados Unidos, y más aún los de Inglaterra. El movimiento del proceso se da en dos planos simultáneos e interrelacionados. Uno de estos planos lo constituye la inmersión de Parra en la vida cotidiana moderna de los espacios urbanos, no ya la de Santiago. de una modernidad de segundo grado y de débil poder de saturación todavía, sino la de dos sociedades desarrolladas donde alcanza su mayor grado de coherencia, complejidad y generalización. La de Parra es la experiencia subterránea de un caos, de unas sutiles redes que transportan la alienación fragmentando la conciencia, de modo alarmante en su caso, puesto que la suya tenía como ámbito formativo originario una cultura tradicional.

El otro plano tiene que ver con el gradual descubrimiento de los instrumentos poéticos, de lenguaje y estructura, idóneos para elaborar y comunicar una visión de las implicaciones morales y culturales de la experiencia. Kafka, las películas cortas de Chaplin, los documentos del surrealismo, afinan y orientan el punto de vista crítico, mientras en Inglaterra la lectura atenta, meditada, de Eliot, Pound, de los poetas metafísicos (John Donne), de Blake, lo ayudan a adquirir conciencia del oficio de poeta, a disciplinarse en el trato directo, desretorizado con el lenguaje, y a precipitar una concepción propia, consciente, del verso y del poema. Esta concepción es la que irrumpe con su segundo libro, Poemas y antipoemas, publicado en 1954, diecisiete años después de Cancionero sin nombre. Es el sistema de los antipoemas, es decir, los textos de la última de las tres secciones en que se divide el libro, el que trae la novedad. Una novedad insolente con respecto al tipo de poema dominante hasta ese momento en Chile (Huidobro, De Rokha, Neruda): el nuevo poema de Parra es su negación crítica. De ahí el "anti" con que se presenta.

El antipoema, en primer lugar, es subversivo pero no militante: no toma partido ideológico, sino que es más bien un vigilante acusador de las deformaciones de las ideologías. El sistema antipoético incluye entre sus elementos: un personaje antiheroico que observa en el interior de las casas o mientras se desplaza por los lugares públicos de los espacios urbanos; el humor, la ironía o el sarcasmo, que sacan a luz lo oculto, que vuelven sospechoso lo evidente, que cavan y hacen visible un vacío debajo de lo que parecía sólido o confiable, y un verso cuyo léxico, entonación y sintaxis ya no obedecen a un modelo literario, sino al prosaico lenguaje hablado de todos los días y en todos los rincones.

El antipoema desgarra al lector y al mundo cotidiano que este habita, pero no lo hace sin exponerse, porque él mismo está implicado, como estructura, en el juego de las significaciones: su propio cuerpo lingüístico se presenta igualmente desgarrado. En una relación de ruptura con el poema dominante, un poema de curso centrado, de versos que desarrollan la continuidad de una idea o de un sentimiento, el antipoema introduce una disonancia que evoca el montaje o el collage: es una construcción fragmentaria.

Parra demoró sin duda en dar con su fórmula antipoética, pero una vez que la descubre y que su recepción en Chile y Latinoamérica se traduce en rápida adhesión y efectos renovadores, los libros que la elaboran se suceden uno tras otro: Versos de salón (1962), Canciones rusas (1967), Obra gruesa (1969), Artefactos (1972), Sermones y prédicas del Cristo de Elqui (1977), Nuevos sermones y prédicas del Cristo de Elqui (1979), Chistes para desorientar a la policía (1983), Coplas de Navidad (1983), Poesía política (1983), Hojas de Parra (1985).

Estos libros revelan no solo la riqueza de las premisas del sistema antipoético, sino también su capacidad sorprendente para hacerlo evolucionar sin alterar sus líneas esenciales, apegado sólo a los términos de su propia dialéctica y energética internas, y para mantenerlo abierto a los cambios históricos, incluso las coyunturas políticas, de la sociedad y la vida cotidiana, y a las posibilidades de extraer nuevos recursos expresivos de movimientos artísticos y culturales que van emergiendo, del lenguaje y los procedimientos de los medios de comunicación de masas.

La evolución puede seguirse en varios planos. Por ejemplo, en el del personaje: desde una cierta pasividad inicial, el personaje deriva a un estado de fuerte actividad, luego a otro de acciones que lo denuncian como un "energúmeno", hasta terminar convertido en una figura carnavalesca con los Sermones… En el plano de la estructura, si en Poemas y antipoemas y en Versos de salón el antipoema era un texto fragmentario, pero más o menos extenso, sometido a un principio constructivo evocador del montaje y el collage, en los Artefactos abandona ese principio y su texto se reduce a la unidad que entraba en la composición: el fragmento. Un fragmento como un dispositivo verbal que cuando el lector lo descifra, estalla en su conciencia iluminando múltiples zonas de lo real.

En los Sermones…, en cambio, el antipoema recupera el principio constructivo, el personaje se vuelve sereno (la serenidad de un loco inocente) y el texto, como apoyando desde el trasfondo la serenidad, exhibe en su movimiento una perceptible regularidad métrica en torno al endecasílabo.

La antipoesía de Parra, desde la década del 50, ha ocupado el escenario de la literatura chilena como uno de los protagonistas centrales. Su influencia en el desarrollo de la poesía chilena, y también en otros géneros literarios, es determinante. No sería posible reconstruir ese desarrollo en los últimos cuarenta años, sin tener a la vista las premisas y la estimulación poderosa del sistema antipoético. Fuera de Chile, la recepción y la influencia de la antipoesía han sido igualmente vastas. Los recitales del antipoeta se han multiplicado en América y Europa, como asimismo las ediciones de sus libros y antologías. Las traducciones, ya numerosas (inglés, francés, sueco, ruso, checo, finlandés, portugués), continúan.

Tomado de Otramerica

Tomado de La Ventana

Nicanor Parra, Premio Cervantes 2011
Tiene "una trayectoria muy amplia, toda una vida dedicada a la poesía", destaca la presidenta del jurado del premio que se considera el Nobel de las letras hispanas

2011-12-21T14:16:00.003-05:00

Fragmentaciones

1

Las garzas
pasan por ti como las nubes,
aprenderás
de lo que jamás has olvidado
aprender,
cuando ya no vueles.

2

Miras las aguas del arroyuelo
fluir
y sientes con nostalgia
los crujidos
de las piedras
despertar, a la que fuiste,
antes de conocer
a la que
ahora eres.

3

Eras la rosa que ahora florece
de aquellas manos
que
jamás aceptaron el filo
de tus espinas,
o pigmentaron tu color
con sangre.

Año del jaguar

1

Serás cazado por su voz/ por la sombra
que precede al solsticio/
tu cabeza saludará
los pies de los guerreros/
oscuras manos
cercenarán tu corazón
para saludar con él
al gran eclipse de luna/
año cero./

2

Los sacerdotes
pintaron las nubes con tus cenizas/
los verdugos ya no lucen
túnicas blancas con turquesas
y esmeraldas
en sus tocados/
las piedras lloran/manchas
de sangre, florecen
en la superficie de las cortezas
de los árboles
mudos./

3

Los dioses no escuchan súplicas imprevistas
de seres ordinarios/
la cúspide
de las pirámides del sol/
ahora son altares
en donde impera la ley brutal
de la luna/ los ojos alzan sus pupilas
manchadas por la sangre
al infinito./

El señor de la rueda

Para Ted Hughes

Todo lo que entra en contacto
con la rueda de mi destino/ se destruye/

Yo fui uno de esos hombres malditos/
que/ cuando las piedras
lo veían venir/ se enterraban/
para no maldecir su existencia;

uno/ a quien el sol jamás iluminó
los pies,/ a quien la tierra
jamás dejó de rendirle
culto./ Yo soy el hombre
adonde todo empieza y termina/
amo y señor de los fantasmas;

aquel que calma su sed/
bebiendo veneno de serpientes/
o con la sangre de los demonios.

Yo fui uno de esos nacidos
bajo las grises égidas de la luna/
con los aullidos de los lobos./

Yo /el esclavo/ y el maestro
de los cuerpos./ Yo/ el eterno danzante
tercer ojo del círculo./

Mosaicos

“La soledad hoy me arropa con un enigma.”

Me arropo de enigmas si veo el paso ineludible de su boca cruzar de lejos/ mancha fugaz de la aurora/ interrogante que responde desaciertos;/ me invento con viejas fórmulas para entenderlas/ para inventarme/ tal/ como si no existiera.

Recorrí todos los mundos/ otros cuerpos/ y otras formas/ hablé con las estrellas,/ me confundí en las noches de luna,/ dancé con esos duendes/ que lo conocen todo/

heme aquí,/ atrapado entre las telarañas de un enigma/ sin saber cómo escapar de su sombra.

Yo soy un paria/ bastardo de la madre/ abandono de la muerte a la misericordia de sí mismo

¿pudo alguien tener mejor destino?

Díganme ¿porqué la muerte se equivocó? ¿Porqué fue a tocar en la puerta equivocada sí estaba sellada por el ángel? Dígame ¿cómo la muerte pudo equivocarse?/ Responda, ahora, que ya no lloran las campanas.

Daniel Montoly©

Daniel Montoly (Montecristi, República Dominicana, 1968) estudiante de la carrera de derecho en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD). Fue finalista en el concurso de poesía Latin Poets for Humanity, ganador del concurso de poesía de la revista Niedenrgasse y del "Editor's Choice Award" de The Internacional Poets Society. Ha publicado en el Primer Volumen de Colección Sensibilidades (España, Alternativa Editorial), Maestros desconocidos de la poesía contemporánea hispanoamericana (USA, Ediciones El Salvaje Refinado), Antología de jóvenes poetas latinoamericanos (Uruguay, Abrace Editores) y en Jóvenes poetas cantan a la paz (Sydney, Australia, Casa Latinoamericana). El Verbo Decenrrejado (Apostrophes Ediciones, Santiago de Chile) Antología de Nueva Poesía Hispanoamericana (Editorial Lord Byron, Lima, Perú) y en la antología norteamericana: A Generation Defining Itself- In Our Onw Words (AMW Enterprises, North Carolina). Algunos de sus poemas han sido traducidos al portugués, inglés y alemán. Colabora activamente con diversas publicaciones literarias y dirige el blog El Wrong Side, dedicado a la difusión de la literatura hispanoamericana.

2011-12-04T13:09:00.001-05:00

Nicanor Parra, Premio Cervantes 2011

Tiene "una trayectoria muy amplia, toda una vida dedicada a la poesía", destaca la presidenta del jurado del premio que se considera el Nobel de las letras hispanas

(AFP) El escritor chileno Nicanor Parra, de 97 años de edad, conocido como el creador de la "antipoesía", ganó este jueves la edición 2011 del Premio Cervantes, considerado el más importante galardón de las letras hispanas y dotado con 125 mil euros de premio. La de Parra es "una trayectoria muy amplia, toda una vida dedicada a la poesía", subrayó la presidenta del jurado, Margarita Salas, al anunciar el galardón en Madrid junto a la ministra española de Cultura, Ángeles González-Sinde.

Nacido el 5 de septiembre de 1914 en el seno de una modesta familia de San Fabián de Alico, Nicanor Parra Sandoval comenzó a escribir poesía siendo muy joven.

Publicó sus primeros cuentos durante sus años de estudiante en la Universidad de Chile, donde se licenció en Ciencias Exactas y Físicas, y su primer libro de poesía, Cancionero sin nombre, vio la luz en 1937.

En los años 40 estudió mecánica en Estados Unidos, disciplina que más tarde enseñó en la Universidad de Chile, de cuya Escuela de Ingeniería fue nombrado director interino, antes de partir a estudiar a Oxford.

Su oposición a la poesía tradicional de Pablo Neruda lo llevó con los años a adoptar una línea bautizada por él mismo "antipoesía", que supuso la introducción del lenguaje cotidiano en la poesía tradicional.

La principal muestra de este movimiento queda plasmada en su segundo libro, Poemas y antipoemas (1954), que produjo un vuelco en la poesía chilena e hispanoamericana.

"Durante medio siglo la poesía fue el paraíso del tonto solemne hasta que vine yo y me instalé con mi montaña rusa", dijo el propio Parra sobre su obra.

Entre su prolífica obra destacan Antipoemas (1960), Manifiesto (1963), Obra Gruesa (1969), Poesía política (1983), Poemas para combatir la calvicie (1993) y Páginas en blanco (2001).

Poeta, cuentista y ensayista, Parra, cuya obra ha sido traducida a numerosos idiomas, es miembro de la Academia Chilena de la Lengua.

Ganador del Premio de Literatura Latinoamericana y del Caribe Juan Rulfo en 1991, Parra había recibido en 1969 el Premio Nacional de Literatura de Chile por Obra Gruesa. En España fue galardonado con el Premio Reina Sofía Poesía Iberoamericana en 2000.

Creado en 1975 y concedido por el Ministerio español de Cultura, el premio Miguel de Cervantes rinde "testimonio de admiración a la figura de un escritor que, con el conjunto de su obra, haya contribuido a enriquecer el legado literario hispánico".

Premiando a Parra, el jurado cumplió con una tradición por la cual este galardón es entregado alternativamente a escritores españoles y latinoamericanos.

En 2010 recompensó a la escritora española Ana María Matute, que este año no pudo, por cuestiones de salud, formar parte del jurado que seleccionó el nombre de Parra, uno de los grandes favoritos junto al nicaragüense Ernesto Cardenal y al colombiano Fernando Vallejo.

Parra se suma así a la larga lista de autores españoles y latinoamericanos recompensados por el Premio Cervantes, entre ellos el peruano Mario Vargas Llosa (1994), el argentino Ernesto Sábato (1984), el mexicano Octavio Paz (1981), el uruguayo Juan Carlos Onetti (1980) y el español Camilo José Cela (1995).

Solo en tres ocasiones fue discernido a una mujer, las españolas María Zambrano (1988) y Ana María Matute (2010) y la cubana Dulce María Loynaz (1992).

Parra recibirá el premio el 23 de abril ―fecha de la muerte de Miguel de Cervantes (1547-1616)― de manos del rey Juan Carlos I en una ceremonia en la localidad madrileña de Alcalá de Henares, ciudad natal del autor de El Quijote.

Nicanor Parra sigue irreverente a los 91 años
Tras el colapso ecológico y la amenaza nuclear "quieren farrearse lo que resta, sin importarles las generaciones venideras", dice

Nicanor Parra lanza primer libro nuevo en 19 años (2004)
El autor de Poemas & Antipoemas suspendió su retiro en Las Cruces a punto de cumplir 90 años y llegó a la Universidad Diego Portales para lanzar su primera obra nueva desde 1985.

Tomado de: La Ventana

2011-11-04T12:59:00.003-04:00

Inicia sesiones la 12 Conferencia Internacional de Literatura Caribeña

La Conferencia Internacional de Literatura Caribeña fue fundada en julio de 1997 con el objetivo de promover una comprensión global de la literatura caribeña

La duodécima Conferencia Internacional de Literatura Caribeña (ICCL) ―que quedó inaugurada el pasado miércoles en la Casa de las Américas y que se extenderá hasta el 5 de noviembre― inició este jueves en el Hotel Nacional de Cuba, con paneles sobre el panorama literario cubano y los “territorios de desplazamiento de la memoria y el espíritu” en los escritores de la región.

En el salón Sancti Spíritus, tres profesores expusieron sus impresiones sobre autores de la Isla: Alma Rayner, del Earlham College, se acercó a las conexiones entre Martí y Mariátegui, especialmente en sus indagaciones sobre el colonialismo, las desigualdades sociales y las transformaciones necesarias en Cuba y en Perú. Por su parte, Yoku Mitsuichi, de Tokyo University, se acercó a Biografía de un cimarrón, de Miguel Barnet; mientras Michael Janis, del Morehouse College, disertó sobre los “ritos carpenterianos” a partir de una lectura de Écue Yamba-Ó y de Los pasos perdidos.

Simultáneamente, en la sala Baracoa, otro panel se dedicó a aquellos espacios de la memoria, el exilio y el espíritu en la literatura caribeña contemporánea. Resultó particularmente atractivo para los asistentes el acercamiento de Marie Sairsingh-Mills, del College of the Bahamas, sobre E. Danticat y su obra The Farming of Bones. Explicó que se trata de una escritora que hurga en su biografía, como una especie de “arqueología de la memoria” con la que también reconstruye la identidad de la nación, a la vez que la suya propia. Se refirió al estado de “limbo” como ese espacio donde se conectan África y el Caribe, equilibrando la sensación de pérdida.

Minutos más tarde, la profesora Carol Marsh-Lockett, de Georgia State University, se refirió a la literatura del exilio y la memoria espiritual y cultural en los escritores caribeños contemporáneos; mientras Melvin B. Rahming, del Morehouse College, optó por un poema de su autoría para involucrar además al público en su introspección, en su “excavación” como búsqueda interna de la voz de los ancestros.

En las últimas horas de la mañana, las ponencias se agruparon, de un lado, en el panel “Raza, religión, fantasmas y otros compañeros de cama no tan extraños”; de otro, bajo el título “Alejo Carpentier, Elizabeth Nunez y Miguel Barnet: intersecciones y disyunciones corporales, espirituales y artísticas”.

Katsunori Kahijara, de Aichi Prefectural University; Ashley Coleman, de Emory University y Kately Demougeot, de Montgomery College, centraron sus indagaciones, respectivamente, en las imágenes fantasmales en la historia de la literatura caribeña, en las tribulaciones cotidianas de sus habitantes y en los procesos raciales que atraviesan algunas de sus obras, como la novela cubana Cecilia Valdés. Por otra parte, las convergencias y disyunciones entre Carpentier, Nunez y Barnet fueron asumidas por Swift Dickison, de Montgomery College; Leah Creque, de Morehouse College y Uchenna P. Vasser, de Winston-Salem State University.

La ICCL fue fundada en julio de 1997, por profesores del Departamento de Inglés del Morehouse College y del Center for International Studies at Purdue University, con el objetivo de promover una comprensión global de la literatura caribeña. Durante sus ediciones, han acogido conferencias de grandes escritores de la región, como la guadalupeña Maryse Condé. Se realiza cada año, de manera itinerante: Bahamas, 1998; Bermuda, 1999; Puerto Rico, 2000; Martinica, 2001; U.S. Virgin Islands, 2004; Colombia, 2005; Haití, 2006; St. Lucia, 2007; Camerún, 2008 y Trinidad, 2010. La edición número 12 tiene lugar en Cuba hasta este sábado, con la colaboración de la Casa de las Américas.

Para inaugurar la Conferencia Internacional sobre Literatura Caribeña
Palabras de Roberto Fernández Retamar, presidente de la Casa de las Américas, en la inauguración de la XII Conferencia Internacional sobre Literatura Caribeña, que se celebra en La Habana del 2 al 4 de noviembre

Fuente: La Ventana

2011-10-10T10:13:00.002-04:00

Los gestos de Lezama revelaban mucho su personalidad

Entrevista al escritor y artista plástico cubano Fayad Jamís, donde recuerda a José Lezama Lima: “Siempre salía a relucir su cubanía, en lo histórico y en lo cultural, aún cuando se refería a algún tema extraño siempre lo mezclaba con algo cubano, siempre lo comparaba con lo cubano”

por Fabiola Mora y Víctor Fowler

Estábamos un día antes del año 1950 ó 51 en el café de Las Antillas por la calle San Miguel, entre Consulado y Prado (La Habana); ahí iba mucho Agustín Pi, a quien [Roberto Fernández] Retamar llamaba la eminencia gris, perla del grupo Orígenes. Un día [Rolando] Escardó me propone darle a Agustín Pi algunos poemas míos para que los leyera, y este me pregunta si se los pasaba a Lezama para que los viera.

Yo no tenía confianza con Agustín Pi. Un día me encuentro con él y me dice que a Lezama le habían gustado los poemas y que si le permitía publicar algunos en la revista Orígenes. Claro que estaba agradecido, por dentro me sentía muy contento porque Orígenes era una revista de una altísima categoría cultural no solo en Cuba, sino en el ámbito de la lengua española, y hoy sigue reconociéndose como tal.

Pi más adelante me invitó a almorzar para que conociera a Lezama ―aún no nos habían presentado― y me citó al restaurante árabe que estaba en la calle Indio llegando a Monte.

Los tres comimos una comida que no he olvidado: él pidió dos platos de cada cosa, con una gran delectación se despachó todo sin ningún tipo de pena. Así fue como lo conocí.

Recuerdo que lo vi en la famosa exposición antibienal ―que no se llamaba así, sino Homenaje a José Martí― que se desarrolló en el Lyceum; allí estaba Lezama.

Lo vuelvo a recordar en 1959 cuando yo estaba trabajando en el Palacio de Bellas Artes; él, en la Dirección de Literatura del antiguo Consejo Nacional de Cultura, y allí organizó un ciclo de conferencias sobre el tema del hombre y la poesía.

Mi conferencia se llamaba “Hombre y Poesía”. Para mí como para otros jóvenes fue importante: invitó a Pedro de Oraá y no olvido esa velada porque estaba Sandú Darié, que en la conferencia de Pedro caracterizó todo lo que este decía.

Lezama invitó a varios poetas jóvenes a dar conferencias. Sentíamos respeto porque éramos desconocidos y él creía en el trabajo de los jóvenes.

Respeté a Cintio [Vitier] también porque incluyó a Retamar y a mí en su antología, y ambos teníamos 22 años. Cintio también creyó en los jóvenes. Yo ni siquiera tenía ningún libro publicado en ese momento. No éramos grandes figuras los que hicimos las conferencias. La conferencia de Oraá salió publicada con las caricaturas de Sandú en una edición muy fina.

Trabajé un año en el Museo Nacional y me lo encontraba a menudo, conversábamos en un café por detrás del Museo que se llamaba Las Américas.

Lezama le daba mucho calor a las ediciones que hacía con un gran amor a la cultura cubana; eran ediciones sencillas.

Lo recuerdo más a partir del trabajo en la revista Unión, cuando yo la dirigía, él participaba en las reuniones, una vez al mes, tanto para la edición como para la comisión de publicaciones de la editorial Unión. Él era vicepresidente del organismo, integrante del consejo de redacción de la revista, en la que yo aparecía como jefe de redacción porque nunca quise ser el director, no había nadie como director, aunque yo era el que la dirigía plenamente. Lezama estuvo como tres años en este trabajo y nosotros pagábamos a lectores para que se leyeran los libros y esos dictámenes los leíamos en la comisión y se debatían: en la comisión estaba [Ángel] Augier.

Dejé de trabajar en 1969 y ya Lezama no era vicepresidente de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). Lezama era una persona muy constructiva en el análisis de los libros, en el análisis de siempre estimularlo, no vetar un libro por malo, decía: “la persona tiene facultades, se ha expresado en la cultura”, siempre tratando de no dañar al escritor. Siempre le interesaron las revistas como la editorial, a veces se salía del tema ―cosa muy difícil conmigo porque las reuniones tenían una agenda larga, teníamos muchos libros para analizar; para discutir esos libros, teníamos que leer las evaluaciones que hacían los lectores que pagábamos, y por páginas.

Recuerdo una cosa de Lezama, era muy cumplidor, muy educado, se complacía en cultivarlo, si faltaba a una reunión ―cosa no frecuente― me llamaba para disculparse.

Recuerdo que yo decía que la revista Unión era una pésima revista ―aunque la dirigía, tenía esa forma de decir―, a veces se insultaban los demás. El primero en criticarla era yo porque decía que quien la hacía era la Revolución, la hace el país, se supone que este es el centro de innovación, centro de belleza, de lo nuevo y de la calidad, y nosotros no cumplimos con esas normas, ni de la osadía, entonces yo lo argumentaba por ejemplo con el aspecto gráfico. Pienso que es una revista muy gris, nosotros estamos en otra situación porque empezaba el aparato de la distribución editorial, ya cobraba importancia la presentación del libro y de las revistas.

Decía que debíamos hacer una revista más contemporánea, porque la que hacíamos no daba la idea de una revista de vanguardia, de avanzada de los intelectuales cubanos y que gráficamente refleje la belleza y la audacia de un contenido.

Él dijo: “bueno, yo creo que hay cosas que no se deben cambiar porque una de las cosas que no debe cambiar es el arte de la imprenta que tiene sus propias normas”, que es tradicional en cuestiones de impresión, como lo demuestran todos sus libros que él les diseñaba la carátula o se las aprobaba a su amigo Blanco regente de la imprenta Ucar García que tenía un catálogo de libros ingleses del siglo pasado y de ahí fusilaba mayormente las portadas de los libros que imprimía, un estilo muy despejado, eran con una viñeta chiquitica allá abajo impresa a dos tintas, de portada blanca con tinta roja o negra.

En ese momento del cambio se mostró muy tradicionalista, muy conservador y yo le enseñé el proyecto. A él le gustó, fue un diseño de Luis Martínez Pedro a base de las letras montadas de Unión, engarzadas, un poco montadas y se hizo un logotipo fijo y la portada cambiaba, fue la época de diseño de carátula y de diseño interior más bello que tuvo la revista y fue una de las revistas más bellas de esa época. Lezama siempre participaba a las nueve de la noche, un día fijo de cada mes, se tomaba abundante café y fumaba tabacos.

Lezama ―y lo digo con cierto riesgo― fue una de las personas que escribió de acuerdo a como respiraba, y pienso que la sintaxis y el ritmo de la frase lezamiana, es el ritmo de la respiración, y la riqueza de asociaciones también se veían en la conversación, había un tremendo humor muy lindo, una gracia original, no chistes hechos, sino generados por el contexto dado, su conversación era clara. Daba opiniones breves y concisas en esas reuniones concretas respecto al libro, lúcidas, siempre pensando en ayudar a la discusión del libro y no dañar al autor. A él no le dábamos libros para analizar, porque no tenía tiempo para eso.

Fui editor de dos de sus libros, uno de ellos fue Paradiso. Presidía la comisión de publicaciones y compartí esto con otros seis o siete editores y bajo mi responsabilidad máxima quedó la edición de Paradiso, y además le diseñé la carátula, que según me dijo le había gustado y esto quedó patentado en una décima que me hizo como dedicatoria en el ejemplar que conservo.

Dedicatoria de Lezama a Fayad en 1966, Órbita de JLL

Querido Fayad Jamís:

Cuando usted trajo su poesía, la quise como algo verdadero pues siempre encontramos en usted la verdad de un poeta hoy al darle las gracias por su participación en la presencia de esta antología sigo queriendo su verdad grave como un despertar en el mundo de la noche entera.

Un gran abrazo de su José Lezama Lima

Una dedicatoria ―en el plano puramente personal― es uno de los reconocimientos más grandes que se le puede hacer a un poeta.

Esta es la dedicatoria de Analecta del Reloj (1965), aunque el libro está publicado años antes:

Para Fayad Jamís que ha seguido los mejores secretos de una gran tradición poética, pero añadiéndole los misterios de un verbo inaugural, dueño así de un secreto y un misterio.

De su amigo José Lezama Lima

En 1967 lo llamé con pena para ver si me podía hacer las palabras de mi exposición retrospectiva en la Biblioteca Nacional. Fue una retrospectiva de tintas, no incluí telas ni otro tipo de materiales y técnicas, y él enseguida escribió esas palabras que son ―para mí― uno de los poemas más bellos de Lezama que aparece en el libro La Imagen Posible; tiene más de poema que de ensayo. Me da tristeza porque nunca le regalé un cuadro, siempre lo dejaba para después, para llevarle obras más grandes para que escogiera. Esas obras las tuvo para hacer el texto y después las recogí, me entregó el texto y después no lo vi más, por negligencia que uno tiene a veces sin idea de futuro, que la vida es frágil. A Lezama lo vi ocasionalmente después de que se fue de Unión; pues yo viajé a México a trabajar en 1973.

Paradiso fue una novela polémica, incomprendida por unos y comprendida por otros. Fue polémica porque al comienzo no había un público preparado, porque todavía se veía la vida en pequeño, de manera esquemática, como quienes la ven a través de la cerradura de una puerta; no tienen el optimismo que se debe tener en una revolución. Se pensaba que había que escribir una literatura para el pueblo pero no se podía generalizar este pensamiento de modo que todos los escritores escribieran a priori a partir de este esquema.

Recuerdo que alguien le habló del problema de Paradiso y le dijo que eso no tenía importancia, que este era un país donde todo se arregla y que eso pasaría. A los pocos días el libro se agotó.

Cuando apareció la carta del Che dirigida a Carlos Quijano ―el director del periódico Marcha (Uruguay)―, conocida actualmente como “El Socialismo y el Hombre en Cuba”, que se divulgó en Cuba a través de Ediciones R, se inició un debate de este texto en la sala Martínez Villena ante no menos de cien intelectuales cubanos. Guillén se encontraba de viaje y Lezama como vicepresidente del organismo asumió la presidencia de las sesiones de debate acerca del contenido de esta carta por aspectos, lo cual duró dos noches. Él fue una de las personas que con más detenimiento y con gran seriedad la analizó, hasta por aprender una materia que creo le era un poco ajena como el marxismo, pues él en su formación cultural no había asumido el marxismo, a lo mejor por prejuicios ajenos a su voluntad.

Los gestos de Lezama revelaban mucho su personalidad, creo que si él no hubiera hablado, lo estaría haciendo con las manos más que con la cara. Casi siempre estaba fumando su tabaco, se regodeaba con el humo del tabaco, había una relación muy estrecha entre él y el placer de fumar de un modo integral.

Siempre estaba con una guayabera impecable, o en traje: era elegante. Siempre salía a relucir su cubanía, en lo histórico y en lo cultural, aún cuando se refería a algún tema extraño siempre lo mezclaba con algo cubano, siempre lo comparaba con lo cubano.

Él no era imponente de deslumbrar con su cultura, no abrumaba a la gente con un aval de conocimiento, no era la mentalidad típica del ensayista: te estaba dando datos, pero con metáforas, con poesía.

Tomado de La Jiribilla

Tomado de La Ventana

2011-10-01T12:38:00.001-04:00

Poetas hondureños y cubanos en una antología

Reseña de la antología Cuarta dimensión de la tarde, la muestra de un conjunto de autores de Honduras y Holguín, hermanados en el oficio de la poesía

por Rubén Ricardo Infante

Muestra del trabajo en común del sello editorial holguinero Ediciones La Luz y la editorial hondureña Nagg y Nell, nace la antología Cuarta dimensión de la tarde, donde confluyen las voces de poetas de las ciudades de Holguín y San Pedro Sula. A este empeño se suma la colaboración del Centro para el Estudio y el Desarrollo Sociocultural (CEDES), institución que pretende apoyar los espacios para la creación en territorio holguinero.

La antología Cuarta dimensión de la tarde es la muestra de un conjunto de autores de Honduras y Holguín ―provincia oriental de Cuba―, hermanados en el oficio de la poesía. Con la publicación de este libro se cumple un viejo y anhelado sueño de los poetas holguineros Rafael Vilches y Luis Yuseff, quienes al lado de Otoniel Natarén concibieron la idea de conformar una selección de poesía y poetas de ambas ciudades.

Por la parte hondureña es Helen Umaña quien escribe las palabras de presentación y lo hace con un texto titulado Entrelazamiento de causas y efectos en la lectura de una antología, donde ella clasifica a los poetas en tres generaciones fundamentales e igualmente distingue a la poesía hondureña: “Con el enriquecedor aditamento de preferencias que se disparan hacia los cuatro puntos cardinales de la cultura universal, los apoyos intertextuales alientan en muchos de los textos”.

Los integrantes hondureños que conforman el volumen son doce en total y como ya ha apuntado Umaña se diferencian cada uno, pues desde su pertenencia a estas generaciones ya definidas: “no han volado los puentes entre sí, razón por la cual no pierden un cierto aire de familia cuyo rasgo más significativo podría ser la huida del verso dulzón o sentimental”.

Para los que integran el libro por la parte del país centroamericano es un trabajo de enorme significación, pues quienes escriben no mantienen espacios de confluencias, además de trabajar en equipo en una obra con varios resultados.

Para obtener el libro como hecho final se trabajo intensamente, pues los textos hondureños fueron enviados por correo y revisados por el equipo de La Luz, donde se le hizo el diseño y se concluyó hasta enviar de regreso a Honduras, donde fue impreso el libro.

La muestra de poetas holguineros es más extensa, se inicia con los textos de Delfín Prats, se incluyen los de Luis Yuseff hasta cerrar con Yoan Ricardo, donde se advierte también la pertenencia a tres generaciones distintas. Lo cierto es que, sus nombres integran un abanico bastante integro del quehacer poético en tierras holguineras.

Los veinticinco nombres incluidos la sección cubana de Cuarta… son presentados con el texto de la profesora Maricela Messeguer quien asegura que la Poesía es la cuarta dimensión del ser, y que: “Holguín se place de que sus poetas y poetisas de distintas generaciones, publicados por editoriales nacionales e internacionales, muchos de ellos premiados en importantes certámenes dentro y fuera del país, permanecen aquí, cargados de sueños y esperanzas, apegados a la vida de provincia que caracteriza a todo lugar alejado de la capital, espejo al mundo de cualquier país”.

Los poetas holguineros con estos proyectos buscan una manera de proyectar su voz hacia nuevos oídos sensibles a la poesía, pensar solamente en un público holguinero o nacional sería demasiada pretensión, pensamiento de aldeano vanidoso, diría Martí, así que, con esta antología se abren los vínculos entre la nación centroamericana y Holguín, así nace este volumen que ya fue presentado en el Museo de Antropología e Historia de San Pedro Sula, el pasado viernes 17 de junio de 2011, donde contó con un amplio público y recibió los elogios como uno de los acontecimientos más importantes acontecidos en esa nación en los últimos años.

Pues, como ha hecho notar Messeguer: “La presente muestra de poetas que dialogan entre dos orillas, Honduras y Cuba, resulta útil como medio para ver y proyectarse cada cual mejor desde el contraste. Desde dos contextos que comparten muchas de las vicisitudes de países pequeños y pobres, con parecidos antecedentes históricos, este libro puede ayudar a ver cómo se asume esa realidad y cómo se trasciende en el cuerpo poético.”

Al llegar a la ciudad cubana de los parques los primeros ejemplares, los poetas sintieron el gusto de compartir espacio para la poesía. La antología pertenece a la colección Mar por medio, que inauguró la casa editorial el pasado año para agrupar a poetas vizcaínos y holguineros en Ciudades bajo un mismo cielo y ahora retoma el diálogo con creadores de otras latitudes para crear un puente, un gran puente.

La antología Cuarta dimensión de la tarde es el resultado de un sueño que pretende acortar distancias; trascender el ámbito geográfico de dos pueblos que han sabido destrozar con versos las fronteras del mar.

Publicado originalmente en: La Ventana.

2011-09-22T09:20:00.004-04:00

Reseña: Una vida en la encrucijada,
novela del escritor español, Josan Sánchez.

Sinopsis: Una vida en la encrucijada se desarrolla durante la posguerra de la Guerra civil española. Es la historia de vida de un niño que con sólo doce años se ve en la necesidad de huir del hogar familiar por los malos tratos sufridos por parte de su padre. Toda su vida fue errante y carente de calor familiar. Cincuenta años después, desahuciado por la medicina relata su historia a su enfermera en los días cercanos a su final.

De esta forma conocemos que durante la posguerra fue un niño que tuvo que vérselas con el hambre y los malos tratos de su padre, que decidió abandonar a éste y sus hermanos para aventurarse en la búsqueda de una vida mejor. Así, trabaja para distintos señores, pasa por un reformatorio, es engañado, hace el servicio militar y conoce a Ana, el amor de su vida. Éstas son sus memorias, ricas en anécdotas y llenas de vida.

2011-09-16T11:30:00.002-04:00

Darsi Fernández: “Gestionar cultura debe ser una vocación”

Entrevista a Darsi Fernández, gestora cultural y abogada cubana, especialista en derecho de autor, a propósito del Taller de Producción y Gestión Cultural que tendrá lugar en la Casa entre el 14 y el 16 de septiembre

por Marianela González

Un Taller de Producción y Gestión Cultural sesionará en la Casa de las Américas entre el 14 y el 16 de septiembre. Considerando las características de ambos perfiles en el entorno iberoamericano y especialmente en Cuba, convergirán en la sala Manuel Galich diferentes actores sociales, enrolados de una u otra forma en el desarrollo de proyectos musicales, escénicos o de tipo comunitario.

La gestión cultural, como especialización en el desarrollo de iniciativas que garanticen el acceso de toda la sociedad a los bienes comunes, ha derivado en los últimos años en un instrumento fundamental. Iberoamérica cuenta ya con numerosas asociaciones y redes de estos profesionales. Paralelamente, los centros académicos del mundo han ido perfilando su dimensión teórica. En Cuba, no obstante, constituye un tema poco abordado en toda su complejidad. Aun cuando proliferan experiencias prácticas, no abundan espacios que las conecten.

Como un primer intento por sistematizar vivencias y aproximaciones teóricas, en el 2010 tuvo lugar en la Casa un Taller de Producción Musical, en colaboración con la Oficina de Coordinación Instituto Cubano de la Música (ICM) – Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) en Cuba. El segundo encuentro, que sesionará la semana próxima, ha sido también coordinado por ambas instituciones.

Durante tres días, los panelistas y las personas inscritas podrán discutir sobre los retos que supone este ejercicio en las sociedades contemporáneas, las estrategias que garantizarían la formación profesional de gestores y productores culturales nuestro país, la inserción del gestor en el contexto de las Nuevas Tecnologías y sus relaciones con la política cultural.

A modo de preámbulo de lo que podrían ser esos tres días de Taller, la abogada y gestora cultural Darsi Fernández conversa con La Ventana.

¿Qué define a un gestor cultural? ¿Cómo se relaciona su trabajo con el del promotor o el del productor?

―Creo que lo define la vocación de gestionar o gestar cultura. Existen gestores culturales que provienen de la creación, o sea, artistas-gestores; funcionarios de instituciones culturales que son verdaderos gestores; y personas que no tienen formación artística ni la obligación de gestionar cultura, pero no pueden dejar de hacerlo.

»También existen personas en cargos o puestos de trabajo que deberían ser ocupados por gestores culturales. Es decir, personas que se dedican a administrar recursos para eventos culturales, a definir políticas, a organizar conciertos o curar exposiciones; pero que podrían dedicarse a cualquier otra cosa o que simplemente trabajan por ganar dinero. No quiero decir que esté mal, pero no definen esta profesión».

En los últimos años, el rol y los perfiles del gestor cultural han sido objeto de teorizaciones sistemáticas desde las academias. Sin embargo, estimo que su práctica es mucho más antigua. ¿Cómo cree que se concilian hoy ambas dimensiones: teoría y práctica?

―Efectivamente, la clasificación o semantización puede ser más o menos nueva y convencional. La actividad probablemente sea tan antigua como las primeras manifestaciones artísticas. Lo interesante es que esta es una materia en la que se ha teorizado relativamente tarde, a partir del concepto de Estudios Culturales o Socioculturales. Con anterioridad, puede que tuviera un carácter más espontáneo y empírico. Tal desarrollo significa que, de algún modo, la sociedad moderna valora el rol del gestor y la gestión cultural como una actividad. Solo se llega a teorizar en profundidad sobre algo, en la medida que adquiere relevancia ―en este caso― para el desarrollo de la cultura, de las industrias culturales, de la vida de los pueblos.

»La conciliación teoría-praxis es obvia, como en todas las esferas del conocimiento. Los gestores más preparados e informados gestionan mejor. Ellos están llamados también a engrosar, con su accionar y su experiencia, el corpus teórico de la profesión».

¿Cómo se inserta el rol del gestor cultural en una época tan determinada por las Nuevas Tecnologías de Información y Comunicación (TIC), las redes sociales, etc.?

―De eso hablaremos también en el Taller. La gestión cultural ha ampliado sus horizontes con el uso de las TIC. En muchos sentidos, se facilita la actividad con el uso adecuado de esas herramientas. Además, desde que existe la cultura digital, han ido surgiendo gestores culturales en ese entorno. Pero una de las características más interesantes de este trabajo y que a la vez complejiza su teorización, es que el gestor cultural puede ser alguien completamente desconectado del mundo virtual, un individuo que labora con la artesanía de una zona indígena del Amazonas.

»Naturalmente, es útil que el gestor cultural maneje el mayor número de herramientas de gestión posibles, pues las Nuevas Tecnologías están cambiando tanto los modos de creación, como los modos de consumo del arte y de la cultura».

Ha sido voluntad expresa en Cuba considerar la cultura no solo como las bellas artes ni como privilegio de una minoría, y materializar esa aspiración le ha otorgado un rol decisivo a las instituciones y organismos estatales. Sin embargo, en los últimos años se ha visto también la emergencia de otros sujetos sociales que intervienen en la gestión cultural de forma alternativa al Estado. En su criterio, ¿cómo se expresa en Cuba esta concurrencia?

―Creo que hace muchísimo tiempo también existen en Cuba personas con inmensa vocación y talento para la gestión cultural, sujetos que por una u otra razón no formaron parte del sistema institucional de la cultura. Recuerdo una época en que la sola mención de la figura del representante de un artista en una institución cultural provocaba urticaria, espanto, no se sabía cómo lidiar con la labor no institucionalizada, con necesidades del artista o de cualquiera de las etapas del proceso de creación, difusión y consumo de la cultura. Las propias instituciones no podían cubrirlas y, lógicamente, lo hacían otros.

»Se han ido puliendo esas relaciones, creo que todo el mundo va aprendiendo en el camino. Los gestores autónomos o no institucionalizados van haciendo más profesional su labor, las instituciones van aprendiendo que hay espacios de acción que ellas difícilmente pueden cubrir y que resulta incluso deseable que sean realizados por otras personas, fuera del marco estatal.

»Luego, en el fondo, se trata del mismo asunto que estamos intentando resolver como país, como sociedad: reconocer que el Estado no puede hacerlo todo ni conviene que lo haga, encontrar qué actividades es más conveniente que adopten otras fórmulas, etc. Existen muy pocas regulaciones en la cultura acerca del espacio de los gestores autónomos, de los proyectos que tienen iniciativas culturales; habrá que ir aprendiendo a relacionarse, sobre la base del respeto al trabajo honrado. Creo que convocatorias y eventos como este Taller, ayudarán a despejar el camino».

¿Cuán importante es para Cuba la conformación de una estructura que agrupe a los gestores culturales del país?

―Esta pregunta se adelanta a posibles propuestas que pueden salir del Taller y que, de hecho, fueron esbozadas en el que realizamos el año pasado sobre la producción musical. Considero que es imprescindible establecer una red, conocernos, interactuar, por muchas razones. Las experiencias de uno pueden ser útiles para los demás. Cuando se identifican problemas, es más fácil llegar a las soluciones de manera conjunta. La existencia de un cuerpo más o menos serio, quizá con algún tipo de código de ética o de principios de la profesión, avalaría la figura del gestor, profesionalizándola de alguna manera. Hay propuestas que podrían hacerse si las identificamos como necesidades; podemos ayudar a modificar legislaciones obsoletas, podemos hacer mucho todos juntos.

»En mi opinión, por ejemplo, es obvia la necesidad de una formación especializada para gestores culturales. Exceptuando algunas acciones del Centro de Superación para la Cultura y algunos talleres convocados por la UNEAC, no existen cursos de pregrado y postgrado que aporten currículos completos y herramientas actualizadas para formar administradores, gestores o promotores culturales. El Colegio de San Gerónimo de La Habana está realizando la segunda convocatoria de un Diplomado en Gestión del Patrimonio Musical, y ambas ediciones han tenido una gran demanda y aceptación».

Al Taller de Producción y Gestión Cultural que tendrá lugar en la Casa entre el 14 y el 16 de septiembre, le precede un Taller de Producción Musical. ¿Cómo pueden complementarse ambas experiencias y cuáles podrían ser los temas de mayor interés en esta ocasión?

―El Taller que hicimos en julio del año pasado es un antecedente directo de este. Ahora se pretende abrir un poco más, de manera que también incluya como mínimo a gestores de las artes escénicas. Es difícil acotar. Existe gestión cultural en todas las manifestaciones del arte y la cultura; también en los gestores del patrimonio cultural. La cultura se gestiona desde las instituciones, desde proyectos colectivos o personales, desde la actividad de un artista concreto. Por eso pretendemos ir precisando aspectos teóricos que puedan ser útiles a la mayoría: el uso de la Nuevas Tecnologías en la gestión cultural, las diferentes fórmulas de financiamiento que pueden utilizarse o el trabajo en comunidades que habitualmente tienen menos contacto con el arte ―por razones económicas y sociales― y que los gestores culturales que se respeten no deben ni pueden perder de vista.

»Ambos talleres se complementan perfectamente. El año pasado hablábamos más concretamente de cuáles son las fases de trabajo del productor de un evento: la preproducción, la producción, la postproducción, el trabajo con el sonido o las luces. Nos enfocamos en elementos más prácticos. Tiene en común con este, por ejemplo, que debatimos experiencias prácticas. En el primer Taller, se expusieron las diferentes formas en que varias instituciones y proyectos gestionan sus eventos: el Centro Pablo de la Torriente Brau; la Oficina del Historiador de la Ciudad, con el Festival de Música Antigua; PM, con el Festival Proposiciones; la Asociación Hermanos Saíz, con sus eventos de todo tipo a lo largo del país; Matraka, con el Festival Rotilla; Kewelta, como espacio de difusión; la Fábrica de Arte Cubano.

»Este año pretendemos que nos cuenten sus experiencias de gestión cultural la Compañía de Teatro El Público, la Agencia Cubana de Rock, PMM y La Colmenita. Habrá que seguir estudiando y conociéndonos todos: los que trabajan con el patrimonio, con el cine, con las artes plásticas, etc. Tenemos muchas cosas en común y muchas aristas que discutir, siempre con el ojo puesto en la conservación de nuestro patrimonio y las mejores vías para el desarrollo cultural de nuestro pueblo».

Taller de Producción y Gestión Cultural en la Casa
Profesionales que participan en la gestión de proyectos culturales desde diferentes perfiles, compartirán criterios y experiencias acerca de las relaciones entre cultura, participación e inclusión social

Tomado de: La Ventana

2011-09-13T09:57:00.009-04:00

VOCES DEL SIGLO XXI

NAT GAETE
(Chile, 1962)

Stand-by

cansa
ser letra
ser palabra / ser locura

la invisibilidad persiste
como un amante psicótico
que se niega a abandonar la piel
de quien no le desea

cansa
lamer letras
lamer bocas / besar cadáveres

De sal

Cómo recoger las huellas
de pasos en falso / de gritos ciegos
de lágrimas inútiles.

Si bastara sólo un segundo
de irse a negro
eliminando raccontos inquisidores
silenciando verbos de pasados imperfectos.

Poseer la sabiduría
de asir los rastros en una mano
para ajarlos con dolor retribuido.

Sadomasoquismo
dar vuelta la cabeza en noventa grados
y no convertirse en sal.

Demudar la piel

Vomitar toda la poesía
que se lleva dentro
demudar de una vez la piel
parirse de nuevo
bajo roídas sábanas de camas calientes
que albergan aureolas
como trofeos de soledad.

Adelantar la herida que vendrá
cerrando los cuerpos
con barrotes de púas
descarnando la carne
haciendo sordos los oídos
al lenguaje de los dedos y sus vaivenes.

Los ácaros propios
deambulan por la alfombra ámbar
de la soledad.

Pasos adelante
sombras en el andén
demudar de una vez la piel
parirse de nuevo
a vidas muertas.

Réquiem

En dónde están
-pregunto con voz aciaga-
los sueños que hasta ayer vivían
en los pliegues de mi alma.

A veces me miro y no me reconozco
en el color de mis ojos
y menos
en el trinar de mis sentimientos.

Hace frio allá en el fondo de mí misma
hace frío.

Y ya ni eso me conmueve.

Cenizas diarias

Sueño
y los días languidecen ante la sombra
de un onírico dios
que me vuelve
nido
rama
gorjeo de alondra en primavera
jardín con fuente de agua.

Me visten de besos los días
ante sus laberintos de espejos me arrastran
me despiertan con sus cantos unicordes
clavan en mi carne sus garras

No desean que sea
jardín con fuente de agua
gorjeo de alondra en primavera
nido
rama.

Entonces abro los ojos
y camino sobre las luces del día
deshojando cenizas blancas.

Laberintos silenciosos

Tú en tu laberinto
yo en el mío

ciegos
sordos
agónicos.

Arrojándonos mensajes
para vislumbrar la salida.

Aferrándonos a sueños añejos
que pierden en la soledad
sus aromas de primavera.

Tu latir se desvanece
también se pierde el mío
en el camino revestido
de rugosas decepciones.

Laberintos sin salidas
silencio de seres
cansados de la vida.

No more Carlisle

( A Leesa Braun)

No more
no more
las hojas de Carlisle
la lluvia torrencial
manos negras y amarillas.

Allá en un otoño quedó
Leesa y su sonrisa diáfana
los velos cubriendo los rostros
el lago cantarino
y el cementerio indio
custodiado por urracas.

No more
no more
sentir caminando Fifth Avenue
como si fuera patria
o el café del Starbucks a media mañana.

No more
no more
los libros de Borders
Sinatra silbando en el Cadillac
ni todas esas estrellas
que titilaban en el sur de la nostalgia.

No more
no more
las hojas ocres de Carlisle

©Nat Gaete

Nat Gaete (Chile, 1962) Publicista (Universidad de Santiago de Chile), diplomada en Dirección de Proyectos Sociales y Culturales, gestora cultural, creadora multidisciplinar.

Fundadora de Haz rodar una poesía, acción de intervención cultural para difundir la poesía y que se consolida a nivel iberoamericano el año 2008 con GiraPoema, poemario dedicado a celebrar el Día Mundial de la Poesía.

Gestora y directora de la red de difusión artística LetrasKiltras, asociación cultural de artistas emergentes.

Directora de la Editorial Digital LetrasKiltras.

Con publicaciones en España, Israel, Chile, U.S.A.

Participante en exposiciones plásticas de fotografía, recitales poéticos en Carlisle (U.S.A.), Madrid y Barcelona (España), Santiago de Chile (Chile).

Nota del autor del blog: Los trabajos visuales que acompañan esta antología breve de la poeta chilena, Nat Gaete, son del famoso pintor y fotógrafo dadaísta, Man Ray. Los mismos proceden de diversas fuentes del Internet.

2011-09-07T13:02:00.001-04:00

Entrevistas: Legna Rodríguez:
“Escribo como me gusta leer”

Entrevista a la escritora cubana Legna Rodríguez, ganadora del premio Iberoamericano de cuento Julio Cortázar: «Los premios son algo subjetivo. Son un problema y a la vez un placer. Puedes llegar a creer que de verdad estás escribiendo bien, aunque no deberías hacerlo»

por Helen H. Hormilla

Para quienes persiguen las nuevas voces de la literatura cubana contemporánea, la mención de Legna Rodríguez Iglesias no será un descubrimiento. Se trata de una de las jóvenes autoras de obra más prometedora si atendemos a los lauros obtenidos y al hecho de que con 26 años ya suma ocho libros, además de estar presente en varias antologías.

Cuando uno la conoce, advierte de inmediato la razón de su temprano éxito. Se trata de una de esas personas para las que las palabras no brotan nunca mejor que frente a la página. Discreta, observadora, casi tímida, va revelando poco a poco sus pasiones, totalmente relativas a la literatura.

No puede ser de otro modo si desde que tiene uso de razón ha estado rodeada de libros. Ni siquiera recuerda cuándo comenzó a escribir. Parece que “desde siempre”, asegura, si bien no deja de reconocer que la publicación temprana puede ser un peligro por la falta de madurez.

Es graduada de teatro en la Escuela de Instructores de Arte en su natal Camagüey, pero nunca ejerció la profesión pues prefirió dedicar todo su tiempo a escribir. Tiene obras de poesía y narrativa, entre ellas una novela dedicada al público infantil. Querida lluvia, 2002; Arroz con mango, 2002; Zapatos para no volver, 2004; Instalando me, 2005; El mundo de Laura, 2007; Ciudad de pobres corazones, 2008; Los Mágicos, 2008; y Ne me quitte pas, 2009, ganador del concurso Calendario otorgado por la AHS en la categoría de cuento, son hasta ahora sus títulos publicados.

Esta semana la camagüeyana ha vuelto a ser noticia, luego de convertirse en la ganadora del Premio Iberoamericano de cuento Julio Cortázar. El jurado —integrado por el narrador cubano Reynaldo González, el crítico y editor Ariel Camejo y el escritor argentino Mario Goloboff— seleccionó su relato “Hasta Feldafing no paro” entre más de 300 propuestas, por “la originalidad de su discurso narrativo y la destreza para construir un relato que recrea de forma peculiar, atmósferas y personajes contemporáneos”.

Se trata de uno de los escritores favoritos de Legna, por eso se sintió como un cronopio asustado cuando se enteró del premio. “Es demasiado fuerte alcanzar un reconocimiento así, tan grande, y con ese nombre. Siempre he sentido por Cortázar una admiración tremenda, tal vez demasiada”.

Eres también la narradora más joven que se lleva el lauro. ¿Crees que este tipo de certámenes estén abriendo posibilidades a los nuevos escritores?

―No estoy segura, pero debe ser así. Ojalá se mantuviera como algo sostenido la presencia juvenil, que no tiene siempre que ver con la edad. Aunque uno tenga 80 años puede escribir contemporáneamente.

¿Así lo haces tú?

―Sí, claro. Prefiero no escribir que escribir como un viejo; pero no en el sentido de los años vividos, sino por lo caduco, por lo pacato. Me parece que hay que escribir como todos los escritores trascendentes: escribir como es tu tiempo, o más allá.

¿Cuáles son entonces los temas que te preocupan?

―Son temas sociales sobre todo, y humanos. Mis protagonistas siempre son las personas. Escribo también literatura infantil y nunca el protagonista es un pato. Lo que más preocupa es el ser humano, la sociedad, su hábitat.

No son pocos los jóvenes que se inclinan por este género.

―Muchos escritores escriben para niños porque se ha vuelto medio moda. Pero bueno, ahí está el tiempo para decidir, sin perder de vista que las artes también se hacen de modas.

»Tal vez debemos refrescar la literatura para niños. Los niños tienen mayores fantasía e imaginación que cualquier editor. Acabo de impartir un taller para ellos en la Habana Vieja y en los juegos de creación colectiva me di cuenta de que nunca salía una flor, ni una amapola con ojos.

»Hay un gran atraso en ese sentido. Yo he sido censurada, no a gran escala, pero sí con opiniones, debido al criterio de que “algo” no es para niños. Luego se lo he leído a ellos y se divierten, lo comprenden todo. No sé qué es lo que entienden algunos por literatura infantil, pero entre esas personas retrógradas están los jurados y editores, que continúan publicando libros para niños sobre los patos».

Tal vez por ese interés de transformar el canon, en los últimos años se advierte una tendencia a tratar problemas sociales en la literatura infantil, como la violencia.

―Porque entre ellos también hay agresividad. Existe una violencia total en el mundo, y si la sociedad es de una manera, así son los niños. Ellos cantan y bailan reguetón, un tipo de música cargada de violencia, sobre todo simbólica. A ese niño no le puedes hacer un cuento sobre los paticos, porque su realidad es otra. Tienes que escribir algo que sea creíble para él y que contradiga lo que le enseña el reguetón. No puede ser fácil. Hay que trabajar, ser muy imaginativo; pero uno es el artista y tiene que crear.

Hay en tu generación una tendencia a desmarcarse de la impronta realista que ha caracterizado a la literatura cubana contemporánea, sobre todo en los 90. Según dijiste una vez, lo único que no le puede faltar a tus cuentos es realidad. ¿Cómo dialogas con eso?

―Igual que Cortázar. Él era un hombre que escribía desde lo fantástico sobre la realidad, o con la realidad. Cuando en la premiación el argentino Mario Goloboff se refería a esto, yo me sentía aún más asustada, porque el cuento premiado era justamente un cuento fantástico lleno de realidad, o una realidad llena de luces, de cosas que no son reales. Al escribir intento una completa mezcla de realidad y fantasía.

¿El cuento ganador forma parte de un cuaderno?

―Sí. Es un libro que debo terminar pronto. Tiene relatos muy distintos, pero cada uno es un homenaje a alguien importante de la literatura, escritores especiales. El cuento “Hasta Feldafing no paro” está dedicado a Julio Cortázar, el más grande de todos. Narra la historia de una mujer que necesita encontrarse con sus amigos en Feldafing, Alemania. Un día ellos comienzan a reclamarla y a llamarla por todos los teléfonos públicos de la ciudad. Ella explota de alegría, pero sin sus gavetas no se va, y sus gavetas están llenas de mazos de berro. En la aduana le ponen resistencia. Al final lo logra, pero cuando llega a su destino puede suceder algo inesperado.

Tiendes a dedicar obras a tus amigos, o a referirte a tus amigos cuando escribes.

―Es que los amigos son muy especiales. Son todo a lo que uno se aprehende en la vida, porque la familia es también tu amigo, y lo que lees, y la música que escuchas, y las personas que eliges. En fin, la vida está llena de amigos, algunos especiales y otros a los que conviertes tú en especiales. Es como los niños cuando imaginan un perro y le dicen “vamos”, y no existe. Los amigos pueden también no existir.

Empezaste a publicar bastante joven y eso puede ser ventaja o riesgo.

―Fue una gran suerte poder publicar rápido, pero hubiera preferido dejar inéditos los dos primeros libros. Yo era muy joven e inmadura y, por tanto, esos libros son así. No obstante, creo que fue bueno encontrar en Camagüey a personas interesadas en mis poemas, sobre todo Jesús David Curbelo. Escuché rumores de que a él le encantaba el primero, “Querida lluvia”, que obtuvo mención en un concurso. Fue él mismo quien luego editó ambos textos.

Desde entonces se aprecia un crecimiento en tu trabajo.

―Sí, una evolución total, pero que, al mismo tiempo, está todavía a medias o a tres cuartos o en cero, de lo que podrá llegar a ser. Una persona de 14 años no puede escribir como una de 25, y eso se nota.

Los problemas de la adolescencia ocupan varios de tus textos. ¿Ha cambiado eso con la madurez?

―Tal vez sí, pero tal vez no. Como te dije, una persona de 50 años es adolescente. Uno siempre adolece de miles de cosas, sobre todo materiales. Hay lagunas de afecto, de información. Mis personajes seguirán adoleciendo de todo eso. Siempre serán héroes imperfectos. Y tienen que ser jóvenes, para que sean verdaderos y vivos. Si es un muerto, que esté vivo.

¿Cuándo comenzaste a escribir?

―He escrito desde siempre, desde que era niña. Primero quería ser actriz, pero todo me daba pena. Si me asusto con un premio y una entrevista, imagina con un público. Por eso escribir fue la salida, lo más agradable para expresarme. No tengo antecedentes literarios en mi familia, pero siempre recuerdo estar rodeada de libros, sabérmelos de memoria. Mi mamá, mi papá, mis tíos, mi familia entera me compraba libros y esa fue la motivación más importante para escribir, leer. Si no leo no puedo escribir.

¿Cuáles son los pros y contras de los premios?

―Casi todos los jóvenes escritores necesitan sentirse motivados y un premio es una motivación tanto material como profesional. Puedes llegar a creer que de verdad estás escribiendo bien, aunque no deberías hacerlo. Los premios son algo subjetivo, llenos de gamas y contrastes. Son un problema y a la vez un placer. En Cuba te dan la posibilidad de publicar, lo mismo en una revista que en un libro, y eso es lo más importante. Son casi el único modo de llegar a ver tu obra impresa. Claro, hay que tener en cuenta a los jurados, los movimientos literarios y otros miles de aspectos que determinan a quién se elige. Si no estás en ese círculo van pasando las vueltas y no alcanzas nada.

¿Qué puntos de contacto encuentras entre tu obra y la de otros escritores de tu generación?

―La mayor emoción, vergüenza y sorpresa al obtener el premio Julio Cortázar estuvo motivada por la cantidad de buenos escritores jóvenes que hay ahora mismo en Cuba. En La Habana he conocido autores sorprendentes como Raúl Flores, Anisley Negrín, Orlando Luis Pardo, Ahmel Echevarría, Jorge Enrique Lage, entre otros.

»En cuanto a las preocupaciones comunes, se trata de una pregunta analítica, y no me he detenido a repasar el trabajo de cada uno. Los leo con placer. No sé si sus intereses son los mismos que los míos. Los escritores, en sentido general, siempre tenemos algo que nos une, algún tema o manera de escribir; pero en este caso no estoy segura de cuáles».

Igual existe una gran cantidad de narradoras jóvenes. ¿Implica en algo tu género al concebir los textos?

―Nunca he tomado la literatura desde el punto de vista de la mujer. La mujer está defendida. Me parece que no hay que defenderla como tampoco al hombre. El hombre también está defendido. Yo escribo lo que veo en mí y, sobre todo, lo que veo en los demás, lo que veo en la calle. Pero no desde mujer, sino desde persona. Mis personajes son femeninos porque soy yo. Si hubiera sido hombre hubiera escrito así, pero de otra manera.

¿Tienes alguna preocupación especial por la forma?

―En los cursos de técnicas narrativas siempre hay un problema, pues algunos dicen que es más importante el contenido y otros que la forma. Evidentemente, los dos son importantes, pero creo que la forma es lo que puede embellecer el contenido. Para mí la forma es fundamental, y el lenguaje, desde el momento en que es literatura, se convierte en hermoso.

Tus textos se leen cómodos, sin rebuscamientos.

―En la comodidad también hay hermosura. El lenguaje es algo mágico, no puede ser feo. Escribo como me gusta leer.

¿Y en la poesía? Uno de tus críticos te llamó poeta lírica.

―No, creo que no soy lírica. Estoy en contra de todo lo que se imposta. Hay una gran pose en la poesía cubana actual, de belleza forzada que, por supuesto, no es belleza. El instrumento más fácil para esa poesía falsa es el lirismo. Por eso trato de no ser fácil, porque no puedo escribir poesía pensándola totalmente. La pienso, sí, pero trato más de sentirla. Si algo intento es ser sincera.

¿Qué lugar ocupa en tus intereses como autora esta zona de la creación?

―Todos los lugares. La poesía es principal para mí. Mis cuentos son poemas, y mis poemas son historias. Pero prefiero la poesía, y leer novelas.

¿Has escrito alguna para adultos?

―Sí, pero no sé si soy totalmente adulta ya. No sé si la novela sirva. La narrativa para mí es muy complicada. Escribir un texto largo, que aúne personajes y conflictos, esté bien escrito, etc., es difícil. Para mí un cuento puede tener dos palabras, pero ese no es el canon.

¿Cuáles son tus proyectos inmediatos?

―Todos literarios. Estoy terminando este libro de cuentos y empecé uno de poesía. Me imagino que estaré escribiéndolos. No tienen nada que ver uno con el otro, pero aspiro a que al final se conecten.

¿Guardan tus textos esa continuidad de la que hablan los críticos?

―Sí. Mis obras se continúan. Aunque cambien de tema o de forma, si es que cambian, tienen una relación.

Tomado de La Jiribilla

Tomado de La Ventana

2011-09-06T10:25:00.003-04:00

Arte: Goya

FUIMOS

/Ronda Poética I/Lokdos Poesía & Juanca Vecchi

Fuimos el grito dentro del fuego
cuando las cenizas silbaban el himno de los laureados,
un espasmo de estrellas sobre los féretros
huecos de la memoria, una historia de pocas pulgas
escrita con otra espuma,
el aliento de anoche empañando el ritmo de las manos descalzas,
el pàrpado indomito de los misterios,
el guante que se hunde en la pereza
para mudarla,
una medianoche enana gateando la soledad,
dos o tres promesas dignas de un rey sin trono,
una luz importante en la cocina apagada
el rìo despiadado,
la agonìa de la brisa enredando las palabras
cuando es puerto seguro el punto final.

2011, Ronda Poética I, por:
Lokdos Poesía & Juan Carlos Vecchi (Argentina).

2011-08-22T14:05:00.016-04:00

VOCES DEL SIGLO XXI

ORLANDO CORDERO

(Santo Domingo, República Dominicana 1966)

ORIGEN

Si buscas en los espíritus
de las conchas naufragadas
retamas de barro y musgo añejo

Origen del aguacero virgen
que se pudre en presencia
de una frase iniciática

Esencia fluvial
donde las libélulas
lavan sus ingles al fragor
de una oceánica despedida

Si buscas la lámpara en cinta
que todavía huele
a selvático fuego

El manantial que esconde
su nacimiento prematuro
en una gota de lágrima

La mano hinchada del pez
que abisma su refugio
en la aleta del hombre

El rostro aforístico
de un ave migratoria
derrumbando el silencio
de las ruinosas fronteras

El remoto caudal de la sangre
girando en su oscuro laberinto

Puertas que a media noche
se alzan en vilo cuando
el sonido de la luz sacrifica
las deudas de la palabra

Si observas la estatura del horizonte
adueñarse de la vastedad de estos montes

Encontrarás entonces
que el origen sobre estas aguas
sigue siendo

Del Libro —REGATA FORTUITA (1991) —

EL SUEÑO DE LO QUE ES

Por vez primera
se siente la tarde libre
en la angustiosa
palabra del sueño
de lo que pudo haber sido
y ya no es

Hay un vínculo de olvido
en su estatura ausente
y mi búsqueda de alcanzar
una regata que me lleve
al inminente puerto
donde se deshacen las angustias

Fortuito emblema
donde la embriaguez
desvela el triunfo de las pasiones
y teje conmigo el desnudo límite
que habita sigiloso en la avalancha
de cosas sensoriales
que indefinidamente
se redimen del caos

Pero el sueño de lo que es
acampa en la superficie del agua
apenas por algunos instantes
y luego va sumergiéndose
en presencia nuestra
sólo para que veamos
en nosotros mismos
la cara de abismo
que produce el asombro

Del Libro —REGATA FORTUITA (1991) —

DIME SI ACIERTO

La vida secreta
de los espejismos
exorciza mi visión en busca
del discurso sonoro del signo
y me arrastra hacia la pendiente
donde desenfocados
rivalizan los horizontes paralelos

¿Acaso debo seguir
ciegamente el delirio
que observan mis ojos?

¿O debo simplemente
completar el derroche de utopías?

Si has de saber
lo que trae el enigma
en estas circunstancias
dímelo ya en voz baja
para definir mis propios aciertos
con la imagen que sólo tú
puedes comprender

Del libro —REGATA FORTUITA (1991) —

MI CASA

Como cae la noche
por la barranca
no podrán caer así
estas paredes
al voraz despeñadero

Lo saben quienes trafican
con el sueño de la oruga
lo inventan los que danzan
palmo a palmo
con lo oscuro de la ermita

A jirones
se transfigura la casaca
que cubre mis dudas

Y a sabiendas
que el guijarro se ennoblece
entre erguidos peñascos
la voluntad de la arena
encrespa multitudes

Y entre olas y tornasoles
cae mi casa
de la cresta a la deriva

Se estrellan
sus mosaicos bizantinos

Se rompen
las losetas del tejado

Se ha quebrado ya
el recodo que esconde
la desnudez de mis libros

Vengo en cuclillas
porque soy el mismo templo
que emerge en sí mismo
mientras se va desvencijando

Descorro y vislumbro
el violento cortinaje
que la paciencia desecha

Ausculto
en esa enorme barranca
un descomunal sonido
que poco a poco
se desmorona en mi lengua

Huyo de allí casi sonámbulo
y como bestia jadeante
me descubro despierto
entre la ceniza

Del libro —UTÓPOLIS (1996)—

COTIDIANO TRES

«Qué pesado,
qué difícil
se me hace este
"yo soy".»

Manuel del Cabral

Yo, el infrascrito taciturno
argonauta impostergado

Cotidiano de muchedumbres
no sublevadas
Ciudadano
de las escorias terrenales
Burlador del descaro matinal
Copista del destino incierto
Corsario de la palabra maldita

Yo, el infrascrito
caigo en la tierra
y tantas veces me levanto

El cuerpo del viento
La oratoria del lago
La claridad suprema
me aborrecen

Soy como un punto
en la oscuridad
más oscuro
que el ojo de la noche

Voy como un buzo
a través
de depravados escollos
donde el miasma
ahonda su estirpe

Yo, el infrascrito
tengo las manos hinchadas
de escribir lo mismo
y en mi más
oculta buhardilla
siento una profunda
y miserable sed

Del libro —UTÓPOLIS (1996)—

HE DE SABERLO

Ya he muerto
en el papel
las veces que he querido

Mi cadáver es tinta
sobre un claro de enigmas

Un altar de arena
sobre un promontorio
de pocas palabras
ha de ser mi gloria

El papel
– dadas las circunstancias –
podrá anunciar
a su debido tiempo
mi estrepitoso olvido

Del libro —UTÓPOLIS (1996)—

LA NOCHE MISMA ME DESARMA

Errático el vendaval
murmura un equinoccio fallecido
en la punta de mis dedos

El oído del bosque interpreta mis pasos
que pierden su inmaculado tránsito
en el cuadrado de un mosaico

La humildad de mis sentidos siempre huraños
anida oscuras laderas que penetran persuasivas
donde nadie hurga a plenitud

El oráculo prematuro del silencio
enuncia las voces no proclamadas
de la noche que verdea y declara mi voz en rebeldía
Entonces, ¿qué célebre aullido encontrará
la palabra muerta en el silencio de mi boca?
¿Quién resucitará sus andrajos en mi cuerpo?
¿Quién nombrará la vívida expresión resurgida
de la noche contemplativa
si la noche misma me desarma?

Del libro —AMAR LA NOCHE POR LA NOCHE MISMA (2005)—

ESTO QUE TODAVÍA CONOZCO

Conozco las burbujas azules del agua planetaria
La manzana sideral que habla de grandes prodigios
La ballena que trae en su estómago una civilización
y una lámpara en sus grandes ojos mansos

Conozco la angustiosa lucha del paraíso
centrada en un paralelo equidistante al tiempo
Le hablo a su eco todo alocado repetitivo y altanero
Le hablo sin incertidumbre porque él me devuelve
la voz que hace siglos vengo cantando

Conozco las corrientes curativas de las aguas termales
El misterio absoluto del perdón
Las conchas lunáticas de las cuevas del solsticio
y la ternura milenaria de las piedras marinas
Sólo tengo la mitad de mi vida despilfarrada
y un maravilloso significado de las aguas
que se bifurcan en ideas profundas de navegantes fallecidos
Una memoria de frutos ostentosos
Una lengua de liquen que intenta saludar cuando ya te has ido

Pero conozco a mi padre como proletario
A mi madre como lavandera
Y voy reconociendo en un grano de arena
las estaciones de mi ser
por esos senderos de perpetua búsqueda
donde brilla la palabra hacia su infinito deseo
y donde el pensamiento solemne enciende
tres cuartas partes de mi memoria

Del libro —INFINITO DESEO (2009)—

PRUEBA DEL FUEGO

El significado del fuego
no es que en un principio arda

sino que íntimamente alumbre

Pues lo primigenio del principio
es la luz llameante que nunca vemos

Y el paisaje que enhiesta al primer albergue lacustre
es una lámpara caprichosa
que ondea incesante en su voraz misterio

Me conforta saber que
el verdadero significado del fuego
es precisamente lo que nunca vemos
de su húmedo rostro

Del libro —INFINITO DESEO (2009)—

VAPOR CUADRICULADO

Llevo mucho tiempo mirándome en un espejo de sal
La proa de este vapor que lleva rumbo equivocado
se tuerce en mi nariz que es un soldado
que nunca ha ido a la guerra

Yo tomo un armamento fraterno
entre los vastos paraísos que definen un horizonte
desarmado entre las piedras de un barranco

Yo arma un rompecabezas que enloquece
a aquellos que iban a ser decapitados

Me echo la espina del pez en la boca
nivelando el misterioso amor que encontró
en la otra orilla de su escama enrarecida en mi piel

Pero, ¿quién soy yo cuadriculado en un vapor
que se aleja hacia ninguna parte?
¿Quién es el que escucha el poema ultraderecho
en la piedra azul izquierda?

Yo muero de rabia y la risa me resucita
en un instante trémulo
que con alas rotas sabe levitar

Del libro —INFINITO DESEO (2009)—

©ORLANDO CORDERO

Nace en Santo Domingo, República Dominicana en 1966. Es pintor y escritor. Perteneció al taller literario “César Vallejo” adscrito a la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), 1990-1995. Tiene una licenciatura en Comunicación Social por la Universidad Autónoma de Santo Domingo. Estudió Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en la Escuela de Artes Plásticas de la base Aérea. Asimismo, a través del arte ha expuesto en más de 100 exposiciones colectivas y una docena de individuales. Ha publicado en suplementos nacionales y extranjeros. Inicia algunas publicaciones de poemarios a partir de 1991 con su libro “Regata fortuita”; “Utópolis”, 1996; “Amar la noche por la noche misma”, 2005; “Poemas de la ofrenda”, 2009. Ha obtenido diversos premios literarios.

Fundó las revistas literarias “De isla en isla” y “Cultura in Vitro”. Ha dirigido diversos círculos literarios. Actualmente trabaja como investigador bibliográfico.

Nota del autor del blog:Los trabajos visuales que sirven como ilustraciones a esta antología breve del poeta dominicano, Orlando Cordero, son del famoso pintor Henry Matisse.

2011-08-15T09:50:00.003-04:00

SIETE NOTAS DE INVIERNO

Arte: Gozalo

Poemas

Hasta tu cama
entran,

tensos, de esquina,
por tu piel,

y por allí
te andan,

quiebran
tus cerrojos;

los hechos,
las manos, las voces.

*

Como a cada beso lo borra
el viento que sopla y sopla,

ella pocea y pocea la arena,
pareciera, con más fuerza;

es el viento húmedo, poceado,
que escribe, escribe, escribe.

*

Dejá que entre la luz,
dejala que entre,

que se acomode,
que abra su valija;

no vayás a echarla;
dale de comer;

dejá que ande por la casa.

*

Amor marcado
de estos años.

A pesar de todo
vuela, vuelve.

Tibio es él;
a prueba es él.

Memorioso, dúctil
y carnívoro.

El da la hora
de esta hora.

*

Pasás ladeada, vida;
depende el barrio.

O acariciando con un ala,
o dando fuerte con el pico.

No pasás derecha, vida;
vos planeás, planeás.

*

Hermosura que te busco;
electricidad que es hermosura;

hermosura de una mano
en otra mano; de un cuerpo

en otro cuerpo; de una letra
que con otras es palabra;

palabra que te busca, me busca.
La oscuridad no es cosa nuestra.

*

Por la calle fría
un hombre va

metido en sí
hasta la médula

como representando
poemas de Vallejo,

cruza la avenida, tose
y se pierde entre la gente.

Eduardo Dalter

Eduardo Dalter nació en Buenos Aires, Argentina, en 1947. Poeta e investigador cultural. Desde 1971, año en que editó su primer poemario, ha venido desarrollado un quehacer sostenido en los ámbitos poéticos. Importantes publicaciones de su país y de América han incluido en sus páginas poemas de su autoría: revista Crisis (Buenos Aires), revista Alero (Universidad de Guatemala), Shantih magazine (New York), Revista Nacional de Cultura (Caracas), y revista Casa de las Américas ( La Habana ), entre otras. Durante los años de la última dictadura militar de su país vivió en el Oriente venezolano y en la ciudad de Maracaibo, donde en 1982 se publicó uno de sus libros (ver al pie el listado de obras poéticas). Dio conferencias y participó de encuentros internacionales, y asimismo brindó numerosas lecturas; entre otras: en el Ginsberg Tribute, en el Central Park, New York, y en la más reciente Feira do Livro, en Brasilia. En el año 2000 tuvo edición su trabajo de investigación Harlem: los blues de la historia, que incluye una selección poética, con traducción que le pertenece en coautoría. Por otra parte, en el lapso 1994-2002 dirigió en su ciudad la revista de poesía latinoamericana Cuaderno Carmín, de difusión continental. En la presente década preparó y ofreció diversos seminarios acerca de la poesía de América en la Facultad de Filosofía y Letras de Buenos Aires, entre otras instituciones. Reside al sur de su ciudad natal.

Nota del autor: los datos biográficos y la fotografía fueron tomado de la oficial página del autor. En: http://www.eduardodalter.com/index.htm

2011-08-01T14:03:00.004-04:00

100 Mil Poetas por el CAMBIO

¿Quieres unirte a otros poetas alrededor de los Estados Unidos de América y en todos los países del planeta para una demostración/celebración de poesía para promover un serio cambio social y político? 100 MIL POETAS POR EL CAMBIO está organizando un evento global para el 24 de septiembre del 2011. Si tú quisieras participar u organizar tu propio evento, por favor, regístrate en Facebook, o escribe al correo electrónico de 100 Mil Poetas por el Cambio walterblue@bigbridge.org.

Fuente: http://www.alpialdelapalabra.blogspot.com/

2011-07-22T11:03:00.010-04:00

VOCES DEL SIGLO XXI

Marina Centeno
(Progreso, Yucatán, México)

De árboles

Hay árboles varados al camino
solemnes
taciturnos
cubiertos de quietud
y aún así
pueden hablar de campos
de invierno y de insomnio

Los árboles observan
como cae el otoño en la naranja
y el verdor del verano en la maceta
la textura del polvo
cuando llega la noche por sus cuevas

porque saben –los árboles-
que de la soledad nace el poeta

Erosión

XXIV

El viento juega a desafío
cuando vienen los nudos a cimbrar las palmeras

Se lanza en erotismo como un dios que dispone
latigando la costa con la lengua

Se vierte en escándalo
al poema que gasta el desparpajo
en ajetreo histérico de niebla
que deteriora al mundo
porque llega de lejos la tristeza

Te lo decía –amor- cuando amanece
hay un hambre de azul por los rincones

y un impulso de luz sobre la muerte

Ese

Tu nombre empieza con la sombra
que se ondula en la línea de los labios

Cuando te nombro
por lo blando de la lengua
se curva la inicial de la serpiente
que juega con la perpetuidad de la letra

Naces mío
en la sonoridad que crece con la noche
donde se yerma el tiempo

Entonces pierdo la distancia de la ese

En tu nombre me salvo y naufrago
cuando te vuelves agua
y te escurres
en mi boca

Espacios estrechos

Debemos liberar las piedras que pesan
en las cuevas que hemos fabricado
cada cual con su médula

No es mayo y un poema me habita
como mármol de palabras
al péndulo de la tristeza
en la estrechez de la casa
donde las hormigas rondan las fotografías

Entonces

comienzo a odiar las faenas del mundo
y las flores que se agitan
entre los baches de la rutina

Insomnio

Por qué mis horas tienen
el cansancio de las cosas perdidas
que apilan su memoria sobre el párpado

Escucho el traquetear de los pasos
por la anchura del aire
en esta opresión en que transita
quejumbroso de hueso y lozanía

Por qué la noche llega
a poner sus puntos suspensivos
al bullicio que ronda en la cabeza
con clamor de plegaria

La luna
se resbala desierta sobre el éter
aprisiona la lámina del ojo
jugando entre el telar de las arañas

Comienza el monólogo del tiempo
a incrustar de sierpes
las palabras…

La opresión de la lluvia

No me he puesto el hipil
la humedad de la lluvia entra por los huecos de la hamaca
mientras parpadea tu rostro a contraluz

La lluvia habita por el patio
salpica el barandal del pozo
donde cercenamos a la luna

Sobre mí siempre te hallas
hurgando en la bombilla de mis ojos
goteando bajo la opresión de la lluvia

Aún deambulo entre larga tropa de recuerdos
con los hombros desnudos expuestos a lacias tardes en el patio
¡Ah nuestro patio!
Cubierto por famélicas flores sometidas a la lluvia
en está tierra fértil a semillas
donde los sapos buscan refugio sobre los estanques del agua

El perro atisba el rabo al sonido de tu voz
persigue fantasmas que se burlan de su olfato
corre con el ladrido que se hace eco en la certeza del silencio

Estás aquí No te has ido
Eres el escarlata que se incendia a las seis
la migaja de pan sobre la mesa
la jícara a la espera de tu sed
los hilos de la hamaca donde se enreda mi cuerpo

Eres lo que escribo -Sin saber lo que escribo-

Mis pechos tienen el desamparo de la madrugada
Colgados al tendedero como braga que oscila al viento
evaporando su aroma a sexo

Asumo mi condición de claustro
Se oxida el tiempo en la ventana
le pongo aldabas a la puerta

las horas me devoran por la opresión de la lluvia

La ruta de la despedida

Nada muere más lento
que el fuego entre los hielos extrañamente ebrios de cenizas

Desde la ruptura de las voces
las golondrinas cantan despedidas sobre la ruta del polvo

Voy de viento
abrazada a las canículas
que derriten la seda
cuando es piedra el comal
e hincha la tortilla bajo el hambre y la lumbre

Reguero de silencios en manteles que vuelan
desprovistos de sal y de pimienta
siguen dando vacíos a la mesa
y orfandad a la silla
que resguarda fantasmas apáticos y tristes

Nos estamos volviendo taciturnos

Así será la ruta de la despedida

con escasos vestigios que agonizan en la mecedora
sosteniendo a Neruda entre nylon y encaje
sintiendo el cansancio de las soledades
con la rabia y la duda sahumando poemas

“me hicieron como el llanto purísimo
como las náuseas y el rencor
como el abandono y la voz de las mendigas”
Efraín Huerta

Postparto

Reclamo el estertor de los ovarios
su abandono andropáusico

su milicia de caldo al montar escenarios
por el cuarto menguante
que gotea los pasillos en tropiezo y coito

Reclamo la habitación del intestino
que alimenta lombrices maliciosas

en blasfemia y sonrisa por los bordes del útero

Reclamo el umbral del inicio

Reclamo la espesura del bosque custodiando el ombligo

Un poema de amor

Yo duermo en el sur
donde el árbol crece desprovisto
y el sol rompe la piel con su amarillo

Tú navegas el mar de los destinos
paladeas la sal de los rincones
desordenando todos mis silencios

Vacíame la noche
en el labriego ducto de mi libido
Abre las llagas
con espada de luz y de infinito

Tu cincel me desarma
y me vuelvo cabriola en el martillo
porque llegas variable a los relojes
en las ojeras que surgen de improviso
por el insomnio húmedo

Sujeta voy hacia el peligro
por la curva cerrada de tu exilio

Menstrúan lunas
se prepara el camino

un sigilo de mar se revuelca en el río

©Marina Centeno

Marina Centeno nace y radica en Progreso Yucatán México. Poemas de su autoría se encuentran en las Antologías: “Nueva Poesía y Narrativa Hispanoamericana”, “Antología Mexicana” y “Poesía Femenina” compiladas por el poeta de origen peruano Leo Zelada y Lord Byron Ediciones de Madrid, España. Su trabajo poético ha sido traducido al Catalán, Inglés , Rumano, Francés y Húngaro. Ha publicado en la Revista bilingüe multicultural “Contemporary Horizon” de la cual es colaboradora y que dirige el escritor rumano Daniel Dragomirescu. Parte de su trabajo se encuentra en la edición "CONTEMPORARY HORIZON’S ANTHOLOGY” compilado por Daniel Dragomirescu.

Poemas de su autoría se encuentran en la edición No. 24 de la Revista digital “Ágora, papeles de arte gramático” que codirigen los escritores Fulgencio Martínez y Francisco Javier Illan Vivas. Parte de su trabajo están publicados en las páginas virtuales: “Arte Poética” del Poeta de El Salvador, André Cruchaga; “Mis Poetas Contemporáneos”del Poeta Argentino Gustavo Tisocco y “Botellas en el mar”del Poeta mexicano Irving Berlín.

Blog de la poeta invitada: http://marinacentenopoemas.blogspot.com/

Nota del autor del blog:Los trabajos visuales que sirven como ilustraciones a esta antología breve de la poeta mexicana, Marina Centeno, son del famoso pintor Edvard Munch.

2011-07-18T12:53:00.000-04:00

VOCES DEL SIGLO XXI

Leonardo Nin
(Barahona, República Dominicana 1974)

Lunático

La luna,

se arrima alocada de mis aguas oscuras,
de mis dientes de niño en placenta,
de mis manos de mujer,
de mis senos de hombre,
de mi cuerpo de papel,
de mi lluvia de sapos y ritos desnudos,
de mi sinfonía de calabozos y ataúdes.

Y amaneció…

Cortometraje

En mi reloj las horas se pudren,
segundos infinitos,
cuentan hojas de un tronco seco,
cayendo, subiendo,
enterrado mi cordura en el punto donde,
suelo y cielo,
se hacen cadáver de hombre acostado.

Al final

Mi itinerario no tendrá importancia,
las paredes frías,
abrigarán las veredas de mis tiempos pendientes.
Un punto inesperado, conjugará mi párrafo
y mi existencia,
dependerá de las semillas de tiempo,
que planté en otros.
Devolveré mi vestido de huesos planchado,
listo para ser guardado en el clóset,
donde se guardan las cosas no necesarias.
Y lo dejaré,
tendido igual que yo,
de espaldas al polvo,
que reclama lo que le pertenece.

Oda al carbón

Negra en tus ojos, Negra.
Negra oscuridad vistiendo tu cuerpo de noche negra,
negra, en el monte que cubre tu entrada negra,
negra, cuando mis manos golpean los atabales
de tu piel desnuda y disecada, Negra.

Negra la forma de quererme, Negra,
negra en el sudor de tu grajo,
negra detrás de la oreja negra,
negra la suerte, que un día, Negra,
a morar a mis brazos te trajo negra.

Negra la forma de irte, Negra
negras tus excusas y lágrimas,
negro es el vacío que tengo, Negra.
Negra mi voz, que te llama, Negra.

Tedeum

En un velorio de intelectuales ciegos,
disfrazado de vidente, subasto en féretro frío
los ideales vivos de un poeta muerto.

La casa

Que útil resulta la casa,
cuando de las costillas de sus cuartos sobrantes,
se hacen otras casas pequeñas,
y con cuatro velas y una mortaja,
baja compañera fiel a dar abrigo a quien no lo necesita,
pudriéndose junta, descomponiéndose junta,
olvidando junta,
dejando de ser casa
para transformarse en morada eterna..

Vino-sapiens

Despertar soñoliento,
girasoles de raza ladran a Miguel Ángeles de paja,
pintando sin encargo,
los suelos blancos de infiernos congelados y fríos,
piadosamente vacíos y solos,
paraísos de pecadores incrépennos e irreverentemente santos,
como carpinteros crucificados en quicio de burdel.

Canción de cuna para un verso

Mundos inventados detrás de un manto roto,
fundición de signos en papel y tinta,
agujas en cera apuñalando almas,
en mis ojos congelados en túneles de asombro.

Pare la prosa, sucumbe el ritmo,
y un verso solitario llora en lo oscuro a tientas.
Manjar de letras, boca insaciable,
y el alma satisfecha eructa dejando sus huellas
estampadas en el pulcro papel que la limpia.

Realidad torcida de ombligos enterrados
bajo puertas reflejando existencias errantes,
párrafos ardientes hilvanando nubes,
cómplices nefastos de tiempos olvidados.

Cristales quebrados, escombros de años,
Y un niño extiende sus manos soñolientas al mundo.
Reflejos turbios, identidad oscura,
y la palabra, disfrazada de madre,
amamanta su sabia, al oceánico estómago de la esencia.

Maletas sangrando las espaldas de un éxodo,
a la nada voy, pies a rastras mis pinceles grises,
líneas mudas esculpo en la voz del sol.
Transustanciación inicua sin pan ni vino,
lenguaje inaudito de plantados seres,
Esparcidos al viento por perversa hoz.

Llueve armonía, campa silencio.
Y un niño se tambalea con pasos inseguros a lo incierto.
La madre se abstiene, le suelta la mano,
Y lo ve pederse entre los fortuitos y cuadriculados senderos de un verso.

Esperando

Túnel de polillas
ventanas de madera de un calendario,
al que el tiempo,
en un injusto trueque de decadencia por nada,
se le llevó las hojas, los días y la dignidad.

Canon

Y los lienzos blancos de mis ojos,
se llevaron consigno al viento,
el mayor tesoro del que alguna vez fuera dueño,
y la nieve cayó inclemente, dejando sus huellas plateadas,
estampada en mi cabeza tan desnuda,
como aquella deshilachada noche,
en la que salí corriendo desnudo,
desterrado de un huerto.

Coito intelectual

Mujer imperfectamente cuadriculada
por las tapas duras de sus piernas de cartón,
raídas de años, inicuamente profana y difícil.

Bajo la luz de una vela, seduzco su pudor,
mientras mi dedo de buen ladrón, merodea
su vientre manchado de miles de huellas gastadas.

Y por el perfil sutil de sus líneas perfectas,
termino por abrir su timidez hojeada,
y mis ojos de vino y humo,
surcan secretos, en el laberinto de su fosa
de mil placeres y miles mundos de punto y coma.

Y le acaricio, excitándole con el roce de mis yemas,
hendiéndole, desvistiéndole, sacando de su aliento
cuando encorvo sus hojas a mi conveniencia,
los tesoros escondidos en su cuerpo de Medusa y Venus,
medio blanca y lisa, cuan astro de luz fulgurante,
lunático claroscuro imaginario.

E Ícaro sin alas, descendiendo satisfecho en la red
de sus encantos de mujer,
quien se entrega tímida a quien la compra
o la que en una noche de ocio y Merlot,
sale de los marcos del estante de cualquier biblioteca.

Credo

Veo la aurora sobre el horizonte blanco
vislumbrantes maravillas
perdidas en la sublimidad infinita
del vuelo de las golondrinas,
del canto de los gorriones,
del altear de los peces
bajo el silencio de la manta de vida del agua.

En mis ojos, un sol sin razón,
desviste sus senos amantando la selva,
y a su lado, la lluvia, con su vestido de doncella,
arrastra sus pies, bailando sobre la tierra,
al compás de los violines de alisios, casi tormenta,
como si un maestro trasnochado,
dirigiera la magia de la música
en la distancia azul de un satírico infinito.
Y mi universo interno juega al ajedrez con el cosmos,
reproduciéndolo en lo minúsculo del átomo
y las líneas en mis manos dicen que soy coincidencia,
y una abeja, coquetea con una mariposa y juntas,
llenan de belleza los campos,
y una sonrisa extraña, me da una sonrisa.

Y un perro me guiña un ojo,
y un manojo de romero perfuma mi alma gris,
y el todo baila, baila y se mueve al unísono y existe.

Pero yo, no creo, simplemente no creo...

Minotauro

Controversia anárquica del espejo imperfecto,
sombras conjugadas, rostro de monstruo herido,
sangrando palabras y muriendo verso a verbo,
bajo la guillotina mordaz de la regla y el intelecto.

Vástago vil de lo prohibido,
híbrido inicuo de los deseos lascivos de la carne,
perdido en paredes de la ignorancia y resignado a perecer,
bajo la injusta potestad de mis dioses de lodo.

Brasas ardientes estampan mis carnes,
soy declarado objeto, esclavo de los amos;
dueños de laberintos de confusión y duda.

Del concreto muerto hago mi morada,
en neblina alucinante, embisto molinos
con mis cuernos de marfil destruyendo lo etéreo,
y piedra sobre hiedra
levanto en arena mi fuerte.

Mitad animal y mitad palabra,
Mitad razón, y mitad niebla;
ropas rasgadas,
y de mi narigón dorado,
fundo alas,
cayendo al vacío
como merecido rey de los idiotas.

© Leonardo Nin

Leonardo Nin. Poeta, cuentista y compositor dominicano. Ha escrito varios libros de cuentos, entre los que figuran: Guazábaras y Sacrilegios del excomulgado, también el libro de poesía Espacio pagado. En la actualidad tiene en proceso la publicación de la novela: Mañana, cuando Dios muera, basada en el asesinato y desaparición del periodista y profesor universitario Narciso González (Narcisazo). Y Sólo sé que le llamaban Sombra, otra historia de ficción psicológica en la que se refleja y se acentúa la soledad y los monólogos internos de los personajes al momento de interactuar como medio de cuento. También el compendio de lingüística avanzada Historia antropológica y etnológica del español dominicano. Sus trabajos han sido publicados en numerosas revistas culturales y literarias y en la antología: Viajeros del Rocío, la cual incluye veinticinco de los mejores cuentistas dominicanos de la diáspora. Fue galardonado con el premio nacional de la juventud en el exterior por su dedicación a la propagación de los valores culturales dominicanos fuera de la isla.

Blog del poeta invitado: http://civilizacionletras.blogspot.com/

Nota del autor del blog: Los obras artísticas que sirven como ilustraciones de esta antología breve del poeta Loenardo Nin son del genial y desmensural artista surrealista, Salvador dalí. Las imágenes fueron reproducidas del Internet.

2011-07-16T00:18:00.000-04:00

Escribir en Nueva York

Una po-ética del sujeto en la crisis de la modernidad • Ponencia de Carlos Aguasaco presentada en el Coloquio Internacional “Identidades culturales y presencia latina en los Estados Unidos”, que se ha celebrado en la Casa de las Américas los días 13 y 14 de julio

por Carlos Aguasaco

Lázaro de Tormes es uno de los primeros proto-sujetos modernos de los que tenemos noticia a través de la literatura. El tratado sexto de la obra resume, en mi opinión, la problemática de la transición entre una estructura social feudalizante y la modernidad emergente.

Detengámonos a analizar los temas principales de este fragmento. Lázaro trabaja como “regador” (es decir vendedor) de agua durante cuatro años y ahorra su ganancia para comprar ropa, para hacerse a un “habito de hombre de bien”. Su cambio de traje es el testimonio de que la movilidad social es posible. Atrás quedan entonces los tiempos en que Lázaro sirvió como criado del ciego, el clérigo, el buldero, el escudero, el pintor de panderos y el capellán. Su nuevo traje, en especial la capa y la espada, certifica su pertenencia a otra clase social; sus últimos dos empleos serán “hombre de justicia” (es decir ayudante de alguacil) y pregonero. En la modernidad emergente de la época, vestirse como hombre de bien equivale a ser hombre de bien. Su nuevo traje y el trabajo de distribuir agua no se corresponden.

Desde entonces, Lázaro se asume como un contratista, como un sujeto libre para vender su fuerza de trabajo que sin titubear le dice a su “amo” que no quiere seguir en ese oficio y que simplemente “reniega del trato” que ha hecho con el alguacil (LT Tratado séptimo). Lázaro ahorra la ganancia de su trabajo y la invierte para procurarse otro.

Nueva York, la ciudad moderna por excelencia es también el centro de sus contradicciones. La utopía moderna del desarrollo indefinido, la promesa de la solución o satisfacción de todas las necesidades materiales entra en crisis en esta ciudad donde el consumo de bienes y servicios pareciera poder extenderse de forma ilimitada. Pero la modernidad envejece pues el desarrollo material deja daños colaterales de difícil reparación.

Un ejemplo de ellos es el famoso metro de Nueva York que con más de cien años ha pasado de ser la imagen del futuro a ser un monumento al metal y al ruido de sus rieles que literalmente ensordecen a los pasajeros. El metro se atraganta de personas que llevan en sus trajes y en sus aparatos electrónicos la promesa del futuro pero que conviven con la inflexibilidad del desarrollo moderno en el transporte público, en la vivienda centenaria con escaleras de emergencia, en los puentes sin pintar, en la basura, en los cementerios, en los parques, las avenidas y las escuelas. La inflexibilidad moderna ha hecho que la estructura de sentimiento del neoyorquino promedio haya dejado de ser la sensación de vivir en un presente-futuro constante done la vida diaria se limitaba a producir, ganar, invertir y consumir adelantos de futuro.

El capitalismo ha impuesto su lógica de mercado extendiendo el consumo de manera astronómica y desplazando la producción a la periferia del sistema. En Nueva York entonces ahora se produce muy poco y en general se especula y se consume a ultranza. Muchos tienen el traje pero no el oficio, pues especular en el mercado no es un servicio sino un robo, una extracción del trabajo ajeno sin valor agregado.

La voluntad individual, y su libre ejercicio, define al sujeto moderno. Lázaro aprende a decir yo quiero o yo no quiero. En la modernidad más pura, el éxito se atribuye a una voluntad muy fuerte y a un ejercicio intenso de ella a través de la práctica. Si alguien fracasa es porque se trata de una persona sin iniciativa, de voluntad dudosa; casi se puede decir que la ideología moderna atribuye el fracaso económico al ejercicio libre de la voluntad. Gran contradicción, nadie quiere por voluntad propia vivir en las calles neoyorquinas durante el invierno, pasar sed en el verano o simplemente buscar entre las canecas de basura el alimento que se desecha en las cadenas de comida rápida. De alguna forma, el fracaso siempre es culpa del fracasado pues el credo de la modernidad y el mercado así lo promulgan.

Entonces, en la modernidad, la escritura es una expresión de la voluntad del sujeto que, literalmente decide, elije escribir como un acto de libertad. La modernidad especializa las esferas de lo público y lo privado. Las obras literarias se difunden cada día menos por la vía del manuscrito y se impone el nuevo concepto de la “publicación” de la obra. La escritura se desplaza hacia la esfera privada pero el libro se hace objeto y producto que se comercializa y consume.

La voz narrativa de El Lazarillo es la misma de su protagonista pero su “autor”, el sujeto histórico que lo escribe, permanece anónimo. La modernidad se obsesiona con la idea del autor de la misma manera en que lo hace con el concepto de propiedad privada. El autor es entonces visto como un sujeto excepcional y su biografía se usa para hacer una exégesis de la esfera privada y una hermenéutica de su obra. La publicación de una obra literaria se convierte en un equivalente del traje de Lázaro, de su capa frisada y su espada.

Algunos heredan el traje como en el caso de Don Diego Coronel el amo de Pablos (También llamado el Buscón en la obra de Quevedo). Otros, siguiendo la metáfora de la novela picaresca, somos como Lázaro y Pablos: sujetos emergentes que reclaman movilidad en el entramado social. Luego de publicar, el autor moderno se siente como Pablos en el capítulo séptimo del primer libro que para rechazar una nueva posición de servidumbre que le ofrece su amo le responde diciendo: “Señor, ya soy otro, y otros mis pensamientos; más alto pico y más autoridad me importa tener” (Libro Primero, Capítulo VII).

Escribir en Nueva York en español y publicar es reclamar un espacio para la periferia, es levantar la voz de Lázaro y Pablos. Se trata sin duda de actos contra hegemónicos pues en principio se resisten a la homogenización de prácticas culturales. Pero el sujeto latinoamericano no es plenamente moderno y en muchas ocasiones rechaza el mercado para privilegiar el feudalismo. No nos engañemos, en Latinoamérica la contradicción moderna consiste en la incapacidad de acabar con las ideologías feudalizantes. Muchos van a Nueva York en busca de “ahorrar la ganancia” y hacerse a un traje como Lázaro. Cuando el sujeto se integra al mercado de trabajo, cuando vende su fuerza, pospone sus proyectos intelectuales y espera que el traje algún día le permita hacerse a otro oficio. Muchos nunca lo logran, Nueva York está llena de escritores “fracasados” que han sucumbido al consumo y abandonan su obra.

También están aquellos hacen de su propia vida su obra literaria y existen como rémoras del sistema que dicen rechazar pero gracias al cual malviven. Escribir en Nueva York y publicar en español exige un acto de equilibrio propio de un equilibrista en un circo. Mantener un balance, a veces muy frágil, entre la supervivencia vital y el progreso hacia una meta que se entiende como la obra literaria. Es posible también, espero que no sea mi caso, tomar la opción de hacerse payaso en el circo de la Gran Manzana y entretener a los lectores-clientes con un exotismo cómico y auto destructivo en que la obscenidad y la aberración convierten al escritor y su obra en otra curiosidad neoyorquina.

La modernidad en su versión capitalista, ya lo hemos dicho, impone el concepto de propiedad privada y lo une a la idea del libre ejercicio de la voluntad. Entonces la compra y venta de las obras literarias se entienden como actos de libertad. Cuando el autor pone su nombre en la obra literaria y la entrega para su publicación, generalmente su nombre aparece en la portada del libro o en la primera página antes que el contenido. El nombre del autor precede a su obra, el sujeto-autor moderno se interpone entre el lector y el contenido.

Me gustaría recordar ahora el episodio en que Pablos dice llamarse Don Filipe Tristán (El Buscón, Capítulo VII libro Tercero). Pablos sabe que hacerse a un nombre es fundamental para lograr la movilidad social que pretende pero es descubierto en el engaño por Don Diego Coronel quien le dice:

Todos sabemos el desenlace de este episodio. Pero, permitámonos explorar las otras opciones que tenía Pablos para lograr su cometido de hacerse otro por medio de su matrimonio. Si dijera la verdad sobre su origen sería descalificado de inmediato. Si tratara de explicar a sus interlocutores que su artimaña era igual a la que ellos usaban al pretender ser señores sin haber hecho nada por sí mismos durante toda su vida, también lo habrían rechazado. Pero tarde o temprano la sociedad feudalizante entra en crisis y su incapacidad para producir obliga a los señores feudales a vender el acceso a sus rangos, la opción sin duda es hacerse un nuevo rico, un perulero de esos que regresan de las indias cargados de oro y listos para comprarse un espacio entre la estructura social que los segregó.

Quizá al irse, como dice que lo hará al final del libro, Pablos encuentre un espacio en un nuevo mundo con sus propias contradicciones y peligros pero donde sea su trabajo personal, él mismo, quien pueda granjearse un lugar en el entramado social. Quizá vuelva y se case con la prima de Don Diego o le envíe dineros para que ella viaje a las Indias y se instale como allí como su esposa. Quizá se olvide de su idea y se case con una criolla, una mestiza, una indiana o se amancebe con alguna mujer.

No será fácil el viaje del pícaro que tendrá que sobrevivir la travesía en el atlántico, llegar al nuevo mundo y allí buscarse la vida con la esperanza de llegar a ser otro siendo él mismo.

Fuente: La Ventana

2011-07-13T22:48:00.000-04:00

Pondrán en circulación el poemario

Retratos (Palabras sobre lienzo) de Fernando Valerio-Holguín

El Colegio Dominicano de Artistas Plásticos y el Grupo Cultural Cacibajagua invitan al acto de puesta en circulación del libro Retratos (Palabras sobre lienzo) Fernando Valerio-Holguín, en su local de la calle El Conde #58, el lunes 25 de julio de 2011, a las 7:00 p.m.

En este evento la profesora puertorriqueña Sara María Rivas de la Universidad Georgetown hará una presentación del libro y luego el autor leerá algunos de los poemas. Al final, los invitados podrán disfrutar de un brindis y conversar con el autor y la presentadora del libro.

Según la profesora Rivas, “Fernando Valerio Holguín, enemigo de etiquetas y formalidades impuestas por la sociedad y la academia, nos entrega su más reciente producción literaria: Retratos: palabras sobre lienzo, un texto híbrido en términos temáticos y estructurales. Estos poemas retan al lector a repensar, reconceptualizar y asimilar la trágica brevedad de la vida bajo un lente sugestivo y seductor. Funciona su microcosmos como un mapa laberíntico que nos guía por “pasillos ajedrezados de manicomio” y que intuimos son los recovecos que nos llevan al alma del escritor. Heredamos de Valerio-Holguín retratos irreverentes y una visión particular del mundo que transgrede tabúes y subraya lo innombrable”.

Fernando Valerio-Holguín nació en La Vega, República Dominicana, en 1956. Realizó estudios de Licenciatura en Letras en la Universidad Autónoma de Santo Domingo. Becario Fulbright, obtuvo un Doctorado en Letras Hispánicas en Tulane University en 1994. Ha sido profesor de literatura latinoamericana y de teoría literaria en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) y en el Instituto Tecnológico de Santo Domingo (INTEC); actualmente, es Profesor Titular de literatura y cultura afro-caribeñas en Colorado State University. Ha publicado, entre otros, los siguientes libros: Viajantes Insomnes (cuentos, 1982), Poética de la Frialdad (crítica, 1997), Memorias del último cielo (novela, 2002), Café Insomnia (cuentos, 2002), Autorretratos (poesía, 2002), Banalidad posmoderna (crítica, 2006), Presencia de Trujillo en la narrativa contemporánea (crítica, 2006), Las Eras del Viento (poesía, 2006), Los huéspedes del Paraíso (novela, 2008), Rituales de la Bella Pagana (poesía, 2009) y Elogio de las salamandras (cuentos, 2010).

2011-07-12T22:05:00.000-04:00

MOVIMIENTO POÉTICO MUNDIAL

En el marco del 21º Festival Internacional de Poesía de Medellín, directores y representantes de treinta y siete festivales de poesía de cuatro continentes se han reunido durante cinco días para hablar sobre el estado de la poesía y los festivales de poesía alrededor del mundo, analizando y discutiendo las preocupaciones humanas y los aspectos relacionados con nuestras dificultades y logros como parte de organizaciones locales que promueven la poesía en cada una de nuestras ciudades y países.

En las primeras sesiones se discutió la relación entre la poesía y la paz y la reconstrucción del espíritu humano, la reconciliación y recuperación de la naturaleza, la unidad y la diversidad cultural de los pueblos, la miseria material y la justicia poética y sobre las posibles acciones a tomar en pos de la globalización de la poesía.

Los participantes decidieron establecer el Movimiento Poético Mundial, cuyo principal propósito será el de incrementar la cooperación entre los festivales de poesía y así fortalecer nuestra voz colectiva.

El Movimiento Poético Mundial reconoce que:

La poesía provee una visión significativa de la condición humana.
Contrariamente a la idea de que los lenguajes dividen el mundo, es precisamente esa diversidad de lenguajes la que enriquece los festivales de poesía.
El Movimiento Poético Mundial fortalecerá cada festival en su enfoque local y global de sus retos y preocupaciones.
La excepcional conexión con el público evidenciada en el Festival Internacional de Poesía de Medellín hace resaltar el valor de la poesía para llegar a la gente.

Los principales objetivos del Movimiento Poético Mundial son:

Que todos los poetas, iniciativas poéticas y organizaciones afines están invitados a unirse al Movimiento Poético Mundial.
Promover la fundación de nuevos Festivales de poesía alrededor del mundo en toda su diversidad.
Mejorar la comunicación entre los festivales de poesía y las organizaciones poéticas.
Promover el desarrollo de escuelas de poesía e iniciativas poéticas.
Explorar iniciativas para el desarrollo de audiencias y la expansión del acceso público a la poesía.
Encaminar esfuerzos para la publicación y la traducción de poesía alrededor del mundo.

Este movimiento comienza como un proceso significativo que va más allá de las pretensiones individuales y crea auspiciosas posibilidades para los poetas y los eventos y proyectos de poesía en todo el mundo y por ello debemos elevarnos con humildad y proteger el nacimiento de este nuevo proyecto.

Los festivales fundadores son: Tomàs Arias en representación Barcelona Poesía (España) Kwame Dawes, representative of Calabash International Literary Festival Norma Cárdenas, directora del Encuentro Iberoamericano de Poesía Carlos Pellicer Cámara (Tabasco, México) Aaron Rueda, director del Festival Iberoamericano de Poesía Salvador Días Mirón (México) José María Memet, director del Encuentro Internacional de Poetas ChilePoesía Sixto Cabrera, representante del Encuentro Latinoamericano de Poesía en Veracruz (México) Lucy Cristina Chau, poeta y directora del Festival Internacional de Poesía Ars Amandi (Panamá) Fernando Valverde, poeta y director del Festival Internacional de Poesía de Granada (España) Rafael del Castillo y Fernando Linero, poeta representantes del Festival Internacional de Poesía de Bogotá (Colombia) Graciela Aráoz, directora del Festival Internacional de Poesía de Buenos Aires Rodolfo Dada, poeta en representación del Festival Internacional de Poesía de Costa Rica Rigoberto Paredes, poeta y director del Festival Internacional de Poesía de Honduras Alex Pausides, poeta y director del Festival Internacional de Poesía de La Habana (Cuba) Giovanni Gómez, poeta y director del Festival Internacional de Poesía Luna de Locos (Pereira, Colombia) Fernando Rendón, Gabriel Jaime Franco, Jairo Guzmán y Gloria Chvatal, en representación del Festival Internacional de Poesía de Medellín (Colombia) Marvin García, poeta y director del Festival Internacional de Poesía de Quetzaltenango (Guatemala) Gabriel Impaglioni, poeta y director del Festival Internacional de Poesía Palabra en el Mundo (Argentina/Italia) Vilma Reyes y Vicente Rodríguez Nietzche, poetas y directores del Festival Internacional de Poesía de Puerto Rico José Mármol, poeta y director del Festival Internacional de Poesía de República Dominicana Otoniel Guevara, poeta y director del Encuentro Internacional de Poetas El Turno del Ofendido (El Salvador) Rira Abbasi, directora del International Festival of Peace Poetry (Irán) Gaston Bellemare, Presidente de la Federación Internacional de Festivales de Poesía y director del Festival International de la Poèsie de Trois-Rivières (Canadá) Iryna Vikyrchak, poeta y directora ejecutiva de International Poetry Festival Meridian Czernowitz (Ucrania) Lello Voce, poeta y representante del International Poetry Festival RomaPoesía y de Absolute Poetry (Italia) Amir Or, poeta y director de International Poetry Festival Sha'ar (Israel) Rati Saxena, poeta y directora de Krytia International Poetry Festival (India) Thomas Wohlfahrt, director del Literaturwerkstatt Berlín (Alemania) Endre Ruset, poeta y Director de Norsk Litteraturfestival (Noruega) Peter Rorvik, director de Poetry Africa (Suráfrica) Bas Kwakman, director de Poetry International Rotterdam (Países Bajos) Regina Dyck, directora del Poetry on the Road (Alemania) Céline Hémon, directora de Relaciones Internacionales de Les Printemps des Poètes (Francia) Jack Hirschmann, poeta y director del San Francisco International Poetry Festival (Estados Unidos) Zabier Hernández en representación del Recital Internacional de Poesía desde el Sur, en Pasto (Colombia) Ataol Behramoglu, poeta y organizador del Smyrna Poetry Festival (Turquía) Nikola Madzirov, poeta y representante de Struga Poetry Evenings (Macedonia) Ban'ya Natsuishi, poeta y director de Tokyo Poetry Festival (Japón)

Fuente: Boriquen Literario

2011-07-12T17:04:00.000-04:00

SE ABRE CONVOCATORIA PARA EL 2º CONCURSO POÉTICO ERMELINDA DÍAZ

Con el slogan "Una poesía unida al concierto de la Naturaleza", este año se realiza la segunda versión de este concurso, organizado por la I. Municipalidad de Quilpué, el Liceo Andrés Bello López y la Agrupación de amigos de la Biblioteca Municipal de la vecina ciudad de Olmué.

Ermelinda Díaz

De la generación de Violeta Parra y Gabriela Mistral, Ermelinda Díaz nació en el norte grande de Chile en el cantón salitrero de Aguas Blancas, cerca de Antofagasta un 14 de agosto de 1913. Casada con Luis Alberto Espejo, con el cual tiene 2 hijos, Ermelinda lo acompaña a distintos viajes por Europa y África, desde donde sus escritos, van mostrando la separación añoranza de su tierra natal. Luego de volver a Chile, se radica en Quilpué.

En su poesía expone parte de sus experiencias vividas, caracterizando su relación con su entorno y con las personas. A pesar de que escribe desde su adolescencia, no es sino hasta los convulsionados años 70 que su trabajo se hace mucho más prolífico y demuestra un giro hacia lo social.

Concurso

Este año, se mantienen las categorías JUNIOR (menores de 14) y SENIOR (mayores de 14) y las modalidades de participación son fotografía y música.

Los plazos de entrega para ambas categorías y modalidades son el día 22 de agosto de 2011 hasta las 17:00 horas. Todas las propuestas deben ser enviadas a:

SEGUNDO CONCURSO POÉTICO "NATALICIO DE ERMELINDA DÍAZ"

SRA. YANINI RIVERA

DIRECTORA COLEGIO ANDRÉS BELLO LÓPEZ

CALLE DIEGO DE ALMAGRO 222, QUILPUÉ.

REGIÓN DE VALPARAÍSO - CHILE

Las bases y poemas, necesarios para la postulación, se pueden descargar en los siguientes links:

BASES POEMAS

Consultas al correo csoto@quilpue.cl

Publicado por CULTURA QUILPUÉ en miércoles, junio 15, 2011 Enviar por correo electrónico Escribe un blog Compartir con Twitter Compartir con Facebook Compartir con Google Buzz http:// www.quilpuecultura.blogspot.com

2011-07-07T12:05:00.000-04:00

Cuatro manos al limón

OTRO POEMA

Hay otro mundo adentro de la noche
que ruge como pantera ansiosa.

Subrepticio, caprichoso,
un mundo que deja estrellas en los rostros;
dicen que hay más estrellas que rostros
y ya no es misterio alguno,
ese universo de estrellas tiradas en el piso,
los rostros sombríos, deambulando
sin mirar hacia abajo,
sin mirar en la hondura mutilada por el hambre,
entre harenes de ladrillos encendidos,
lamparas de cuerpos arrancados, llantos
y pisadas del acero en las pupilas de la infancia.

En fin,
hay otro mundo adentro de la noche,
y es otro poema
la noche afuera del mundo...

CAÍDO EN METÁFORA

Entre las calles dominadas por el agua
encontré alas de mariposa sosegadas por el frío;
un gato de lluvia vagabunda nos miraba
desde un alero, entre sorbos de hambre
y un sueño prohibido.

En los bolsillos noctambulos del alba,
una paloma con plumas ungidas por el espanto
volaba ciega,ciega entre meteoritos asaltantes nocturnos
(tiene el vuelo arriesgado del poema, entonces pensé).
Algo me toca los talones del sueño
y me levanta la búsqueda entre los rostros de la noche,
la serpentina mirada de la serpiente alada
cuyos ojos viven dentro de los mios,
cuyas alas son los pulmones de las fantasias reprimidas.

Entre las calles dominadas por el agua
y los cielos cazadores del sueño
soy un espejo roto caído en metáfora.

LOS ÁRBOLES DE LA MUERTE

Y también están los árboles de la muerte
que nos obserban con sus ojos nausebundos
mientras alimentan con despiadado hambre
sus crías de cuervos sin sol.

Las nubes se parecen a gasas en el rostro
que encubren la asimétrica voluntad, la ira gris
de quienes viven con las mijagas de la vida
en el ardor insólito de las mandíbulas del aire.

Allá lejos, entre un silencio de bueyes perdidos
y una luz imposible de imaginar,
Dios mordisquea sus canicas de soles inútiles
y murmura vientos de ira milenaria.

No.
No es la ira divina la incitadora de los volcanes por sublevarse,
es la negra nube de indiferentes rastros ineludibles
que bostezando tan cerca del alma... siembra con pestes
y enfermedades la eterna bondad de los humanos.

DIOS ACUSA EL GOLPE

Se les escuchó galopar en lo profundo
con las pisadas penetrantes del viento,
caballos fríos, que herían con sus coces
la vulnerable superficie de la tierra.

Nadie los vió pasar, no hubo testigo
(ni lo habrá en la memoria del futuro
incierto), de aquel galope abismal
que puso de rodillas las sombras de los árboles.

Así el sol en su carruaje se cubrió de noches

acorazadas por la ira impredecible
de los mutantes equinos, cuyos ojos de hielo
vertian diluvios de color anaranjados.

Así brotaron los atardeceres ciegos
y puñetazos de nieve la tierra lanzó
hacia la alta distancia donde, por primera y última vez,
Dios acusó el golpe.

LAS RUINAS DEL MIEDO

Una estampida de tumbas
levanta las ruinas del miedo
hasta donde llegan los ojos de la muerte.

Una luna resignada despunta, con su corona de cráneos,
saluda a los que morirán descalzos,
despedazados por los buitres del polvo
los que ofrecen reverencias al miedo y
festejan el ritual incomprendido, oscuro.

¿Cabería el destino de todos los hombres
en una hormiga aplastada por la última huella del hombre?

Un desparramo de rostros se forma con el hongo
abrazado por los hombres como un látigo
con el cual golpear el otro extremo...
donde muere la esperanza de supervivencia,
donde la noche cae como un oscuro latigazo de silencio.

De la Serie Poética "Cuatro manos al limón")

2011, Daniel Montoly (República Dominicana), y Juan Carlos Vecchi (Argentina).

Nota del autor del blog: Las excelentes fotografías que acompañan esta breve selección de textos son como siempre del artista visual y poeta español, Gonzalo. Están todos y todas invitados e invitadas a visitor su página web en el siguiente enlace: http://www.vbz.es/vbz.htm

2011-07-06T21:11:00.000-04:00

Amores perros

Reseña de El emperrado corazón amora, el último poemario de Juan Gelman, quien en su madurez poética vuelve al lenguaje y los trajines de la infancia, la libertad, el amor, la palabra...

por Juan Pablo Bertaza

Entre todos los neologismos, juegos de palabras y cultismos que brillan como afiladas gemas en el último libro de Juan Gelman, El emperrado corazón amora, hay una palabra que se destaca entre las demás, no solo por su frecuencia en el texto sino, sobre todo, por su contundente potencia, que la convierte en algo parecido a un hallazgo: “aujero”, palabra que recupera, entre otras cosas, la sonoridad del diptongo, la unión de vocal fuerte con vocal débil.

En el poema “qué” ―a diferencia de lo que sucede últimamente con los libros de poesía, acá cada poema tiene un título, un nombre―, Gelman la inaugura, la saca de su fábrica de léxica magia: “los que son/ en un pedazo de silencio y/ tienen madres perdidas/ ésos palabran de verdad./ No hablan, dicen, la noche/ pasa por el aujero de su aguja/ rápida como un golpe”.

Interesante, porque podemos llegar a encontrarnos con una de esas palabras clave que sintetizan al mismo tiempo que despliegan toda una obra, una trayectoria poética que aun laureada, aun consagrada ―sobre todo a partir del Premio Cervantes en 2007― todavía continúa experimentando.

Aujero remite y vislumbra todos los tópicos y recovecos por los que se metió la poesía de Gelman; lo popular de Violín y otras cuestiones (1956) y Gotán (1956), pero también la descalabrada precisión de Cólera Buey (1964) y Los poemas de Sidney West (1969): un aujero que habla de ese hueco generacional ocasionado por la dictadura, una ausencia que demuestra ―como si hiciera falta― que los delitos de lesa humanidad nunca pueden ser considerados cosa del pasado porque azotan no sólo al presente sino también al futuro.

El aujero también remite a esa potencia original y auténtica del rock que, tal como establece Diana Bellesi comparándolo con Dylan y Hendrix, debería relacionarse con mayor frecuencia a la estética e impronta de Juan Gelman: su poesía también es un gran paso a la hora de salir ―Virus dixit― del agujero interior, largar la piña en otra dirección, y sobre todo una demostración cabal de que todavía a la vida se le puede hacer el amor, algo que se destaca especialmente en los últimos libros de Gelman: Valer la pena (2001), Mundar (2007), De atrásalante en su porfía (2009) y ahora más que nunca con El emperrado corazón amora, tal vez el primer libro en que Gelman habla lisa y llanamente acerca del amor en toda su complejidad.

Pero el último libro de Gelman también ahonda en otro de los sentidos de esa constelación creada por la palabra aujero: la imposibilidad del decir, la insuficiencia de la palabra ante los extremos tanto de la angustia como de la alegría. Rara batalla, entonces, la que libran los poetas; una batalla que, en cierta forma, aparece perdida antes de tiempo, antes de empezar a decir, antes de empezar a jugar: si lo real carece de nombre y de forma para llamarlo, cómo hace la poesía para desear, cómo hace para decir: la poesía de Gelman es, en ese sentido, un ejemplo de lo que significa llegar hasta el borde de un abismo sin caer en él.

En el poema “Mil”, Gelman le habla a su madre, justamente, desde los bordes del discurso: “Qué hermosa eras en tu desolación,/ te parecías a/ la palabra que no alcanzo a decir,/ la línea negra de la pureza/ que nadie sabe cruzar”.

Tomado de Página/1

2011-06-29T09:05:00.000-04:00

El delirio caribeño

Entrevista al escritor colombiano Roberto Burgos Cantor: «En las artes no hay grados, el escritor no se diploma de nada. Cuando dejó de escribir, dejó de ser escritor. Así termina por estar cerca del abismo, cada vez que cree que considera haber concluido un texto»

por Marcos Fabián Herrera Muñoz

Cuando se le ve con gabardina negra y con anteojos a la usanza de un novelista decimonónico, fácilmente se llega a creer que nos encontramos frente a un santafereño ancestral, que porfía en su acicalada vestimenta de filipichín capitalino. Son sus libros los que revelan con mayor acierto su condición de caribeño. Roberto Burgos Cantor nació en Cartagena de indias el 4 de mayo de 1948. Su rito iniciático en la literatura se lo debe a Manuel Zapata Olivella, quien le publicara su primer cuento en la memorable revista Letras Nacionales. Su obra es un decantado empeño en alegorizar, con un singular y personalísimo matiz, la vastedad de una región colombiana, poseedora de dimensiones distintas a las ya instauradas como manidos clichés.

Al leer sus libros, se afinca la certeza de que el Caribe es una fuente inacabable de literatura. ¿Encuentra secretos vínculos entre la desaprensión y el alborozo caribeño y el permanente deseo de poetizar dichas vivencias?

―En el Caribe coexisten dos estirpes. A ellas es posible seguirlas, entre otras novelas, en Cien años de soledad. Una es representada por los personajes que llevan el nombre de Aurelianos. Otra se identifica bajo el nombre de los Arcadios. Los primeros son los solitarios, los que hacen guerras, se ensimisman fabricando pescaditos de oro, descifran manuscritos. Ahí están Rafael Nuñez, Luis Carlos López, Nieto Arteta.

»Los otros, ruidosos, acompañados todas las veces, contando a gritos proyectos grandiosos que nunca se inician, un desafuero insaciable que jamás se colma. Ahí están los canales alternativos al de Panamá por el Atrato, la ciudad de espejos y chimeneas en una orilla agreste del Pacífico, en Cartagena de Indias; Benito, el chacero, candidato presidencial por tres veces, ofrecía un ventilador de montaña con aspas de trasatlántico para instalarlo en la colina de la popa y refrescar los calores indoblegables de julio.

»Sin embargo, tengo la impresión de que las miradas sobre el Caribe que se quedan en alguno de los fragmentos de su complejidad vienen de una percepción corriente en el siglo XIX. Ellas cuentan con un supuesto aval científico. Este consiste en definir las tierras bajas, de climas cálidos, como territorios de imposibilidad para cualquier cultura, vedados al pensamiento y condenados por la eternidad al zangoloteo. Esta curiosa clasificación eurocéntrica la reprodujeron Caldas y Samper. Es argumento de discriminación, desprecio y más exclusiones.

»Conjeturo entonces que la vida y sus producciones, lo que Rubén Blades llama la maestra vida, es fuente de literatura. Si acaso el Caribe añade un reto más: la dificultad de nombrar y de revelar, puesto que en los mundos al margen de los prestigios literarios, expulsados de la atención privilegiada de los doctores, tener que rescatarlos de la neblina de lo invisible, demanda imaginación y quizás amor».

¿En La ceiba de la memoria, la multiplicidad narrativa, los paralelismos y alternancias temporales, son recursos que configuran un nuevo prisma de lectura de la esclavitud y sus correlaciones históricas?

―Parece que la aventura de las novelas y los cuentos es el cómo. Es probable que ese cómo, aquello denominado por los estudiosos “la forma”, no sea nada al examinarla desprendida de la totalidad orgánica que es cada novela. Dicha forma no es superflua ni una manifestación exterior. De alguna manera corresponde a un estado de necesidad del texto, necesidad sin la cual no es lo que es y resulta impensable.

»Ahora, es posible que el hábito, el gozo, la compulsión de oír o leer cuentos, historias, narraciones, demande a sus escritores, por tiranía del texto, estrategias sutiles, imaginativas, sellos del tiempo, como al principio cuando al contador lograba ser distinto de otro, introducía variaciones, o la que de noche en noche afinaba su voz y fortalecía el insomnio del sultán. Ahora, quizá, la sombra impudorosa de la conciencia del escritor se condensa más y no se diluye en la claridad o la espesura del relato. No tengo dudas: una novela, un libro de cuentos de relojería riesgosa encontrarán excelentes lectores. Y así a mejores lectores mejor literatura».

El componente reflexivo que acompaña cada pasaje de La ceiba de la memoria la hace distante del relato arquetípico. ¿Es el artilugio novelístico la principal herramienta para la revaloración de la historia?

―La historia ―sea el ángel de Benjamin, o el idiota de Shakeaspeare (Sound and Fury), o la pesadilla de Joyce, o la descripción de Braudel― tiene una manera propia de poner a flote su masa de pasado. Las novelas y los cuentos pueden surgir de los intersticios vacíos, silenciosos, donde la huella del pasado, si acaso estuvo, se desvaneció. Por allí se cuela la imaginación y propone una inteligibilidad, un orden o un caos, una lectura. Ello será si el texto existe como literatura y eso es lo que funda. Las concepciones que pretenden trasladar los retos de una ciencia a las artes, como una manera de sosegar y obviar las dificultades propias, incluso de puerilizar los problemas, son un fracaso y una estafa.

¿Busca Ese silencio descubrir las raíces de la concepción amatoria en la mujer del litoral y la presencia del mismo en el gozo carnavalesco?

―Cuando el escritor se refiere a lo que escribió se ve interferido por una especie de pudor que le impide agregar voces al texto publicado. Una manera de esquivar el impedimento que he encontrado es advertir y aceptar que el escritor como lector de sí mismo no imprime legitimidad adicional a su lectura. Está como cualquier lector, quizá con la desventaja de esa lectura que hace mientras escribe, a lo mejor en estado de atolondramiento por las condiciones de la producción literaria.

»Entiendo el carácter transgresor del carnaval, su ruptura instantánea de ataduras. No sabría si María de los Ángeles tiene que ver con “el gozo carnavalesco” por lo general, lleno de signos exteriores, de énfasis, que requieren deshacer la normalidad por seguro que sea el territorio que la cobija. Si algo puedo ver en Ese silencio es una aventura que indaga formas de relacionarse y se inmiscuye en rostros diversos de lo amoroso. Soy de los que considera que el amor es cómplice necesario de la libertad. Comparten quizás el amor y la libertad una sustancia común, de forma que sus expresiones están protegidas por el secreto. Tienen raíces profundas que no han sido desenterradas».

Los cuentos y relatos reunidos en los libros De gozos y desvelos y Una Siempre es la misma confrontan la fragilidad de lo humano, pero al tiempo el valor de sobreponerse con arrojo...

―En algún momento de la escritura de El patio de los vientos perdidos se coló con nitidez la visión de unos cuentos. Era tan precisa la idea que no se me ocurrió ponerla en notas y tuvo el efecto de quitarme un peso adicional a las incertidumbres de esa navegación sin brújula que es escribir novelas. El peso tiene que ver con las ambiciones del arte. El escritor siente que se acerca el momento inevitable de obsesionarse con las tachaduras y reescrituras en las márgenes y entrelíneas. En ese momento, tener entre manos una continuidad lo alivia del vacío que se aproxima.

»En las artes no hay grados, el escritor no se diploma de nada. Cuando dejó de escribir, dejó de ser escritor. Así termina por estar cerca del abismo, cada vez que cree que considera haber concluido un texto. Pero ocurrió ese noviembre de fiestas en Cartagena de Indias, yo estaba en Bogotá D.C. y sentí como que no había más líneas, más palabras, para la novela que por primera vez escribía y por primera vez creía poner el punto final. Me entretuve en corregir, en las versiones limpias, eran tiempos de la máquina de palo. Y cuando quise encontrar los cuentos que había visto, escribirlos, estaba vacío de ellos.

»Y de repente, una frase. Como los cantantes. Como las invenciones del jazz. Y me dediqué a perseguirla. Era distinto a lo que me había visitado antes, y así fue De gozos y desvelos. Con los años, en 2009, se publicó Una siempre es la misma. La lectura que propone tu pregunta es válida y perspicaz. Yo no lo concebí con deliberación. Creo que en cada vida íntima se da una batalla, por inconformidad o por hastío; por rechazo o por aburrimiento; y muchas veces nadie lo sabe».

El boxeador, el aristócrata, los músicos y las putas de El patio de los vientos perdidos, configuran un cuadro tan disímil y a la vez compacto difícil de ubicar por fuera del Caribe colombiano. ¿Es esta novela un tributo al delirio y fantasmagoría costeña?

―Debe haber algo en los territorios de transgresión de las novelas que le permite a los personajes probar suerte con la ilusión imposible de la felicidad. Indagar por sus formas sin antecedente. Sin embargo, ese espacio propone una igualdad: quienes ingresan buscan los mismo y mediante igual procedimiento. La regla tácita es no violar las reglas. Aceptar la bella mentira de que te quieren. Dudo en llamar “delirio” a algo que percibo en el Caribe. Sus gentes no piden nada, pero lo quieren todo. Esta tensión les permite una irreverencia natural y una capacidad de burlarse de sí mismas que las hace inmunes a las migajas y sus protocolos rimbombantes, a las celebraciones de medianía. Sí hay un delirio en el Caribe: la luz. Sí hay una, como tú la llamas, “fantasmagoría”: tanto sepultado en el mar. Sin duda, la mitad más un cuarto de nuestra historia, todavía deshilvanada.

¿Podría precisar las coordenadas en las que se encuentra la música y la escritura en sus libros?

―No tenía conciencia de los pasadizos entre la música y mi escritura. Una vez un editor revisaba un texto que me había encargado. Yo llegué en ese momento a mirar las propuestas de ilustración que fueron confiadas a David Manzur y de entrada el editor me dijo: empecé a leer tu historia y al rato estaba dando golpecitos al suelo con las puntas de los pies. Llevaba el compás. Si paraba se detenía la lectura.

»Es de suponer que en el Caribe la música, por razones diversas, está metida en el cuerpo, incorporada en la vida. La música preside la vida y acompaña la muerte; aviva el dolor y dulcifica el sufrimiento; sirve de salvavidas a las flaquezas del recuerdo; e incluso propone sensibilidades sustitutivas a los vacíos de la aventura; y por supuesto interviene en las formas del movimiento, reinventa el silencio de la danza. Tengo la impresión que quien hizo evidente esa complicidad fue Guillermo Cabrera Infante. De cualquier manera la una y la otra mantienen su autonomía y sus expresiones propias. A lo mejor, ambas apuestan por encontrar el silencio».

Lo Amador se arriesgó a fabular la costa confrontando una ciclópea sombra patriarcal. ¿Cómo asume la escritura de un universo geográfico y cultural sembrado de prevenciones en los lectores por su manida concepción garciamarquiana?

―Parecería evidente que Gabriel García Márquez, sus cuentos y novelas, resolvieron para siempre muchos de los problemas que implicaban el paso de una escritura con las severas interferencias del mantenimiento y celebración de formas caducas impuestas como reglas del buen gusto, de los empecinamientos testimoniales de una realidad tan reciente como violenta, de concesiones a cierta noción ingenua de la diferencia, uno de cuyos fundamentos era lo exótico, lo pintoresco, un lenguaje, o, mejor, unas palabras desconocidas y sin significado en la lectura, a la aventura pendiente del encuentro con la modernidad.

»Por motivos que deben meditarse, hay obras de la literatura que se convierten en símbolo, en biblia de un país. Para bien y para mal. Así El Quijote es el símbolo de la libertad en España. Y, naturalmente, el de la locura. En Colombia, el inocente alborozo que condujo a millones de seres a bautizar a sus hijos con los nombres de Efraín y María y nunca con el bello de Ney, el nombre de la esclava, hallaron por fin en Cien años de soledad algo más que un directorio santo para nombrar cristianos. Dieron con un ícono que poco a poco sirvió para dar cuenta del ser latinoamericano. Sin embargo, el abrumador proceso de las interpretaciones, aunó a críticos y glosadores, comentaristas y reseñadores, estudiosos y lectores, en la coincidencia de mutar la fina intuición de Alejo Carpentier de lo real maravilloso en el repetido realismo mágico.

»Con los años, esa expresión, con su soberbia intocable de talismán y palabra revelada, se fundió con Macondo o macondismo. Fue despojada de su virtud y se transformó en el pernicioso hábito de nombrar y hacer responsable, explicar y justificar las desgracias, crímenes y tremendas anomalías sociales y políticas, por la supuesta pertenencia a la zona sagrada del realismo mágico. El efecto de esta aceptada y casi ilimitada explicación es devastador: el hecho condenable, el delito, la canallada se cubren de un manto benigno que envuelve la gravedad, la obliga a ingresar a un orden mágico que escapa al orden terrenal. Allí, todo puede ocurrir en la infinita perversidad humana y todo escapa a la sanción ética, a la sanción legal. Entonces el reto para los escritores es apasionante. Ni más ni menos que desajustar, desacomodar una conciencia colonizada y con deformaciones, una conciencia pervertida por la autoridad, el Gran Hermano, o como quieran llamar a los que se autoerigen en dueños del mundo.

»Tengo la impresión que como nunca antes, hoy, existe una literatura con registros distintos, vasos comunicantes, que dejó atrás la tradición de un solo libro, una sola novela, un solo poema. Agradezco la perspicacia de tu pregunta, pones el acento en algunos lectores y dejas que cada escritor asuma sus riesgos, su reto».

Roberto Burgos Cantor, Colombia 1948. Autor de la novela La ceiba de la memoria, Premio de narrativa José maría Arguedas de la Casa de las Américas de La Habana (Cuba) en 2009, y finalista del Premio Rómulo Gallegos de este año. Además ha publicado Quiero es cantar, El patio de los vientos perdidos, Lo Amador, Señas particulares, Ella siempre es lo que será, Ese silencio.

Tomado de Aurora Boreal

Tomado de La Ventana